ROMANTICISMO
!. INTRODUCCIÓN
!!! Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX sin una línea divisoria estricta entre Clasicismo y el Romanticismo.
! CONTEXTO HISTÓRICO:
! En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas. El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se refuerza la
idea de individualidad.
! CONTEXTO CULTURAL:
!!! El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora. Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan
nuevas formas de expresión. Los artistas van a ser considerados genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente. Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte".
! CONTEXTO ARTÍSTICO:
!!! El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, por primera vez este arte brilla por encima del resto de las artes; la música se considera el lenguaje del espíritu frente a la razón.
!!! En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan de implicar emocionalmente al oyente.!En esta época brillarán numerosos compositores que seguirán el modelo de Beethoven.
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1.1. PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
!!! En este periodo podemos hablar de tres etapas:
! ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830):
Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.
! ROMANTICISMO PLENO (1830-1850):
El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores como Liszt (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).
! ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890):
Destacan compositores de la talla de Brahms. Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Aparecen las nuevas corrientes: Postromanticismo y Nacionalismo.
1.2. CARACTERÍSTICAS MUSICALES
!!! Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades:
1. Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado con los editores de partituras.
2. Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de Wagner)
3. Búsqueda de la expresividad y los sentimientos en el oyente.
4. La melodía ocupará un lugar privilegiado y estarán cargadas de cambios de dinámica; todo ello con la finalidad de expresar los sentimientos.
5. La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.
1.3. ESCENARIOS! ROMÁNTICOS
La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres... Existía una producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:
• CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes salas propiedad del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet...
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• SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios burgueses se realizaban conciertos privados.
• MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos para celebrar fiestas. Era para la gran mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz Schubert.
1.4. EL GENIO ROMÁNTICO
1. Los músicos de la primera época tienen como modelo de creación a Beethoven. Para ellos la música es un medio de liberación del alma, en un mundo materialista. Se consideran "genios" creadores, verdaderos artistas, para ellos los intérpretes simplemente ejecutan un ejercicio mecánico.
2. Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aíslan y sufren enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban arruinados.
3. Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en ocasiones a sufrir penurias. Crean su música para la eternidad, pensando que el día de mañana alguien se dará cuenta de su talento.
4. Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.
LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias. Vamos a ver el
desarrollo operístico en los países más importantes:
! ITALIA
En Italia, cuna de la ópera, podemos destacar las dos corrientes de este género que se van a dar a lo largo del Romanticismo:
• BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los cantantes, sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como Donizetti con "El elixir del amor" y Bellini con "Norma". Otro personaje destacado fue Rossini con "El barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo el siglo XIX. No podemos olvidar a Verdi, que se convertirá, junto con el alemán 3 Wagner, en el mejor operista del Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata","Aida" o "El Trovador".
• VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas. Los máximos representantes de este tipo de ópera son Mascagni con "Caballería Rusticana" y Puccini con óperas como "Tosca", "La Boheme" o "Madame
Butterfly".
! FRANCIA
! París se convirtió en el siglo XIX en la capital de la actividad operística europea. En Francia también coexisten dos estilos de ópera:
• LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, ballets, grandes coros y escenas multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género podemos nombrar a Meyerbeer con "Los Hugonotes" o Bizet con "Carmen" basado en un tema español en la que el autor utiliza danzas y temas populares.
• LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados y hablados. Sus argumentos son de carácter humorístico. Destacan compositores como Offenbach con "La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann"
! ALEMANIA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca la obra de Weber, iniciador de la ópera
romántica en Alemania. Su obra más conocida es "El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se
conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su drama musical son las siguientes:
1. La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las artes (poesía, música, escenografía, drama...)
2. Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente para representar personajes, hechos, situaciones,...
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3. Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
4. La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel principal en el desarrollo y explicación de la acción.
5. Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos", esta última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.
ESPAÑA
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto del siglo XIX se intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido
gran éxito: La Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes
conocimientos musicales.
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del género con la llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente uso de coro y predominio de las partes cantadas. Estas obras contaban con un amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos. Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y Toros".
!!! A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es
por lo tanto una zarzuela más económica al gusto de las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.
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EL LIED
!!! El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción, se convirtió en una de las principales formas vocales de la música romántica. Es una forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy
apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías.
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
! LA MÚSICA DE CÁMARA
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo)...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una
viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 agrupando instrumentos de las tres familias. No es extraño obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa. Las tres grandes formas orquestales que se van a dar en el Romanticismo fueron:
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• LA SINFONÍA
!!Todos los grandes autores componen numerosas sinfonías en este periodo. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando de los esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los instrumentos.
!Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas. Entre los compositores más importantes destacamos a Schubert, Mendelssohn, Bruckner, Bramhms y como no, la figura protagonista, Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu romántico.
• EL CONCIERTO PARA SOLISTA
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, los instrumentos para los que más música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.
• CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA: Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios momentos de lucimiento de la parte solista. Era el preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano. Entre los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos destacan Beethoven, Chopin, Schumann, Liszt o Brahms.
• CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA: Como en el caso del piano, las obras para violín exigían un gran lirismo en la interpretación de sus melodías además de una gran técnica instrumental. Entre los compositores que escribieron obras para este instrumento destacan Beethoven, Tchaikovski, Brahms o Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones el único capaz de
interpretar sus propias obras
• LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
! La búsqueda de músicas más libres y abiertas, dará lugar al desarrollo de!la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...). Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema
sinfónico.
• LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que se desarrolla en torno a la
descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El
creador de este género es el compositor francés Berlioz con su obra "Episodios de
la vida de un artista. Sinfonía fantástica" en la que narra su amor no correspondido.
La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos). El
autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.
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• EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento, basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, Rimsky - Korsakov, Richard Strauss, Saint - Säens o Paul Dukas.
• LA MÚSICA PARA PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores y de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias burguesas hubiese un piano puesto que era sinónimo de calidad de vida. Familiares y amigos solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de interpretar reducciones de obras de orquesta. Por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en él un medio de comunicación para expresar pasiones y sentimientos.
En el Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
• Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración y de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en
las que la improvisación jugaba un papel protagonista) Los compositores más representativos de este género fueron!Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o Chopin, que también abordará el piano lírico.
• Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. En este género destacan Chopin y Schumann que crearon piezas que denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, o nocturnos.
Promovidos por el espíritu nacionalista también realizaron obras basadas en danzas o temas populares de sus territorios como las polonesas o las mazurcas.
Durante el siglo XIX la técnica del ballet clásico encontró su formulación definitiva. En el Romanticismo algunos maestros franceses como Marius Petipá se instalaron en Rusia y crearon una escuela clásica de ballets rusos, cuyo prestigio e importancia se han mantenido hasta la actualidad. Hasta ese momento los ballets 8 estaban constituidos y a partir de la unión de diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no guardaba ninguna relación entre sí. Una de las grandes aportaciones de los ballets rusos fue la de poner en escena una historia coherente con diferentes temáticas, tanto dramáticas como cómicas.
María Taglioni se convertirá en la gran bailarina del siglo XIX, participando en los estrenos de los ballets de los principales compositores. Esta bailarina fue la primera que se puso de puntillas a la hora de realizar sus danzas en el escenario.
Con este gesto se conseguía cierto sentido de ingravidez, convirtiéndose en un ser etéreo. Entre los bailarines destacados se encuentra el ruso Nijinski. Entre los compositores más famosos de ballet tenemos que destacar a Tchaikovski con obras como "El cascanueces", "La bella durmiente" o "El lago de los cisnes".
La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo, que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye una ampliación del lenguaje romántico. Los artistas
post-románticos se verán muy influidos por Wagner y tendrán a su vez influencia en las vanguardias del siglo XX. Entre los compositores más destacados del Postromanticismo podemos nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en Re menor).
!! A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones de tipo histórico. Este movimiento político nacionalista se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania e Italia.
!!! Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde se desencadenó un movimiento que volvió su mirada hacia la tradición y buscó materiales musicales en el folklore de cada territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en países que habían estado sometidos a gustos musicales
extranjeros, como Rusia, Bohemia, los Países Escandinavos, Hungría o España entre otros.
!!! Muchos de los compositores románticos anteriores ya utilizan o se inspiran en fuentes propias de su folklore; es el caso de Chopin con sus polonesas y mazurcas, o de Liszt con sus rapsodias húngaras. Sin embargo, es a partir de las revoluciones europeas de 1848 cuando se desarrollan plenamente los nacionalismos, en los que cada país busca resaltar su identidad rescatando su tradición cultural y folclórica 9
RUSIA
!!! El movimiento nacionalista más poderoso tuvo lugar en Rusia, el iniciador del mismo fue Mijail Glinka, que destaca por su ópera "Una vida por el zar". Más tarde surgió un grupo de compositores conocido como "El grupo de los cinco", estos músicos fueron Balakirev, Borodin, Cesar Cui, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov.
!!! Aunque no fueron músicos profesionales, su música es de una alta calidad. En ella evocan la historia rusa y los giros peculiares de la música autóctona; emplean temas tradicionales como fuente de inspiración y otros recursos de su folklore. !!! Entre ellos destaca Mussorgsky, músico incomprendido pero de grandes
cualidades. Su ópera "Boris Godunov" es una obra maestra; otra de sus obras más importantes lleva por título "Cuadros de una exposición".
ESCANDINAVIA
Destacan Edvard Grieg y Jan Sibelius.
•!!! El noruego Grieg había estudiado en Alemania, pero cuando volvió a su país comenzó a fijarse en el folklore, dedicándose a recoger canciones y danzas populares. Su obra más conocida es la suite "Peer Gynt", ambientada en Noruega.
•!!! El finlandés Sibelius también estudió en Alemania, pero como Grieg, decidió seguir su propio rumbo. Compuso varios poemas sinfónicos, uno de los cuales, "Tapiola", es el retrato de los interminables bosques finlandeses.
BOHEMIA Y HUNGRÍA "CENTRO#EUROPA$
A finales del siglo XIX, Bohemia (en la actualidad, República Checa) conoció un periodo de gran riqueza musical. Esta región había sido absorbida por el Imperio Austro-húngaro y dominada por la cultura alemana. El gran iniciador de esta escuela nacionalista fue Smetana, que compone seis poemas sinfónicos bajo el
título de "Mi patria" en los que describe los paisajes de su tierra.
El gran continuador de la obra de Smetana es Dvorak, muy influido por los románticos alemanes, utilizará melodías y ritmos populares con un carácter nacional indiscutible. Escribió "La sinfonía del nuevo mundo" dedicada al descubrimiento de América, país donde desarrollo el final de su carrera musical. El interés por la cultura tradicional musical se extenderá por toda Europa en países como Hungría, que había formado parte del Imperio Austro-Húngaro. Los compositores húngaros más importantes son Bela Bartók y Zoltán Kodály, que se convertirán en investigadores y recopiladores del folklore de su país, ejerciendo la
función de etnomusicólogos. Durante muchos años recorrieron en compañía no sólo su país, sino también Rumania y Eslovaquia, tomando notas y grabando 10 todos los cantos que oían, que más tarde se ocuparían de publicar y difundir.
Además, sus estudios se extendieron a la pedagogía musical, creando un nuevo sistema para la iniciación de los más jóvenes en la música.
ESPAÑA
El nacionalismo en España es un movimiento tardío. Aunque la zarzuela de mediados de siglo supone una primera conciencia nacional como respuesta a la influencia de la ópera italiana, no será hasta casi comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente nacionalista. El promotor y padre del nacionalismo
musical español fue el catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de material tradicional y folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.
!!! Las teorías nacionalistas de Pedrell serán llevadas a cabo por sus discípulos, entre los que cabe destacar a Isaac Albéniz, autor de la suite para piano "Iberia" y a Enrique Granados, creador de obras como "Danzas españolas" y "Goyescas", estas últimas inspiradas en las pinturas de Goya.
Pero sin duda, la gran figura del nacionalismo español es Manuel de Falla, que obtuvo grandes éxitos internacionales y supo conjugar a la perfección los elementos folclóricos y tradicionales con las tendencias vanguardistas del momento. Entre sus obras destacan el ballet "El amor brujo", conciertos como "Noches en los jardines de España", obras para piano como "La sinfonía bética" y óperas como "La vida breve".
!!!AMÉRICA
Además de los países ya mencionados, el nacionalismo se extenderá por toda Europa y atravesará el Atlántico hasta llegar al nuevo continente. Así, dentro del nacionalismo aparece con personalidad propia la figura del norteamericano George Gershwin, quien basa su música en la explotación del jazz. Crea una ópera
titulada "Porgy and Bess", inspirada rítmica y melódicamente en la música de jazz.
Otras obras importantes son "Rapsody in blue" y "Un americano en París". !!! A Latinoamérica también llegará la corriente nacionalista. El compositor más representativo es el brasileño Heitor Villalobos, que destacará en sus obras para guitarra.
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6! CUESTIONARIO
!. INTRODUCCIÓN
1) ¿Cuáles son los límites cronológicos del Romanticismo?
2) ¿Qué cuatro hechos históricos destacarán en la sociedad europea del
Romanticismo? Explícalo.
3) Describe el contexto cultural romántico del siglo XIX
4) ¿Qué caracteriza el arte romántico?
5) ¿Quién será el modelo de los autores musicales de esta época?
2.PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
1) ¿Qué tres etapas van a destacar en el Romanticismo?
2) ¿Qué autores destacan en la primera etapa? Explica porqué
3) ¿Qué caracteriza el Romanticismo pleno?
3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES # ESCENARIOS! ROMÁNTICOS # EL
GENIO ROMÁNTICO
1) ¿Qué novedades podemos destacar en este periodo?
2) ¿Qué ciudades concentran la vida musical de esta época.
3) ¿En qué ambientes y escenarios tiene lugar la práctica musical romántica?
4) ¿Cómo se ven los músicos de la primera época romántica? . LA ÓPERA ROMÁNTICA - Italia
1) Señala qué cambios se producen en el mundo de la ópera romántica.
2) ¿Cuáles son las principales corrientes operísticas italianas? Escribe las principales de cada una.
3) Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona. Bellini; Puccini; Donizetti; Mascagni; Verdi; Rossini. - Francia
4) ¿Cuál fue la capital operística de la Europa del siglo XIX.
5) ¿Qué estilos coexistían en Francia? Explícalo.
6) Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona. Meyerbeer; Offenbach; Bizet.12 - Alemania
7) ¿Quién fue el creador del “Drama Musical”
8) Describe las cinco características del Drama Musical.
9) ¿Cuál es la principal obra de Wagner? - España
10) ¿Qué aspectos caracterizan la zarzuela española?
11) ¿Qué compositor español impulsó la zarzuela?
12) ¿Que diferencias existen entre el "Género Chico" de la "Zarzuela Grande"
13)Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona.
Federico Chueca; Asenjo Barbieri; Ruperto Chapí; Tomás Bretón. - El lied
14) ¿Qué es un lied?¿Cuáles son sus autores principales?
4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL
1) ¿Cuál fue el motivo del éxito de la música de cámara en el Romanticismo?
2) ¿Cuántos músicos podían integrar una orquesta sinfónica?
3) ¿Qué autores destacan en la composición de sinfonías?
4) ¿Qué tipo de concierto para solista era el preferido de los compositores románticos?
5) ¿Por qué destacó en su época Paganini?
6) ¿Qué dos nuevas formas de música programática nacen en esta época? Escribe un ejemplo de cada forma con su autor correspondiente.
7) Explica los motivos por los que el piano se convirtió en el principal instrumento romántico.
8) Señala las diferencias existentes entre virtuosismo y lirismo. Escribe el nombre de los compositores que destacan en cada estilo. '. BALLET
1) ¿Qué aportaron Marius Petipá y María Taglioni a la historia del ballet?
2) ¿Cuáles son los principales ballets de Tchaikovski?
3) ¿En qué país se prolonga el pensamiento romántico dando paso al Post- Romanticismo?¿Qué autor será la referencia de este movimiento artístico? 13
5. LOS NACIONALISMOS
1) ¿En qué se basó el movimiento nacionalista del siglo XIX? Señala qué países surgieron a raíz de este movimiento político.
2) ¿Qué repercusión tuvo el nacionalismo en el campo de la música? Cita tres países donde este movimiento tuvo gran repercusión y explica porqué.
3) ¿A partir de que fecha se desarrollan los nacionalismos?
4) ¿Qué podemos decir de los músicos integrantes del “grupo de los cinco”? Escribe el nombre de las principales obras de Mussorgsky
5) Escribe el nombre, la nacionalidad y las principales obras de los autores nacionalistas escandinavos.
6) Escribe el nombre, la nacionalidad y las principales obras de los autores nacionalistas bohemios.
7) ¿Quiénes fueron los principales compositores húngaros nacionalistas? Describe cuáles fueron sus principales actividades musicales.
8) Elabora un resumen sobre el desarrollo del nacionalismo español.
9) ¿ Quiénes son los principales autores nacionalistas americanos? 14
_187.- La música en el Romanticismo. (1810-1900)
El término Romanticismo se utiliza para referirse a la historia, el pensamiento y el arte
del siglo XIX. El siglo XIX es la época de la Revolución Industrial, aparecen nuevas
fuentes de energía (vapor, petróleo, electricidad), se desarrolla la industria (textil,
metalúrgica, química, etc), aparecen nuevos medios de trasporte y de comunicación, así
como se producen también grandes avances en el campo científico (se descubre la
radiactividad, se inventan las vacunas, se desarrolla la teoría de la evolución de las
especies, etc.)
Desde el punto de vista socio-político, el siglo XIX supone la aparición del concepto de
nación y el nacionalismo como modelo político, la consolidación de la burguesía, el
surgimiento de una nueva clase social, el proletariado, así como nuevas corrientes
ideológicas que intentan luchar contra la miseria y las desigualdades sociales (corrientes
socialistas, sindicatos, etc.)
El Romanticismo desde el punto de vista artístico, nació en Alemania como movimiento
literario, influyendo a todas las artes, y extendiéndose posteriormente por el resto de los
países europeos. Este movimiento se caracterizó por la revalorización de los
sentimientos, buscando la expresión libre de los sentimientos individuales y subjetivos.
A diferencia del Clasicismo que buscaba una belleza basada en el orden, el equilibrio, y
la perfección, el artista romántico prestará atención a los aspectos más profundos del ser
humano: las emociones, los sentimientos, la pasión, la fantasía y el amor por la libertad.
Se inspirarán en la naturaleza, la literatura, la pintura, los personajes y acontecimientos
históricos, lo lejano, lo mágico y lo irreal.
El mito musical romántico durante todo el XIX fue la figura de Ludwig van Beethoven
(1770-1827) , músico que vivió entre dos épocas y que puede considerarse como el
último compositor clásico y el primer romántico. Fue un gran pianista, gran creador de
música sinfónica que rompió los moldes de la música clásica y que buscó en su obra y
en su vida, la libertad de expresión en la que se inspiraron no sólo los músicos
posteriores sino también los literatos y todos los artistas en general.
7.1.- Características musicales.
- Se busca una mayor libertad para diseñar y estructurar la música. Están más
preocupados por el contenido que por la forma musical. Intentan encontrar una
expresión de emociones y sentimientos más intensa y personal, con gran participación
de la fantasía y la imaginación.
- Las melodías se hicieron más libres en cuanto a su forma, más líricas y cantables. A
veces se inspiran en melodías populares.
- Los ritmos son más complejos y variados, aparecen polirrítmias (varios ritmos al
mismo tiempo), cambios rítmicos que prescinden del compás, etc.
- Las armonías son más complejas y ricas, con un uso mayor de las disonancias.
- Mayores contrastes de velocidad, de intensidad, de alturas y de timbres.
19- Se mejoran técnicamente los instrumentos: se incorporan las llaves en los instrumentos
de viento –madera, y los pistones y válvulas en los de viento-metal.
- El piano es el instrumento romántico por excelencia, experimentó grandes mejoras: se
incrementó el número de notas, obteniendo así un sonido más amplio y rico, se aumentó
su potencia sonora con la incorporación de cuerdas metálicas, con el aumento del grosor
de las cuerdas y con la incorporación de una caja de resonancia con armazón metálico
que dió al instrumento un sonido más brillante y profundo; la incorporación de los
pedales posibilitó la prolongación del sonido.
- La búsqueda de mayor expresión tuvo como consecuencia la ampliación de la orquesta
sinfónica no sólo con un mayor número de instrumentos ya existentes, sino también con
la incorporación de instrumentos nuevos como: el flautín, el corno inglés, el
contrafagot, el clarinete bajo y el saxofón en los de viento-madera y en los metales con
la tuba. También aumentan los instrumentos de percusión. El arpa es otro instrumento
que aparecerá con frecuencia sobre todo en la segunda mitad del siglo.
7.2.- Formas musicales románticas.
7.2.1.- Formas para piano.
- Sonatas. Forma instrumental para piano, o para piano con otro instrumento, en varios
movimientos. Es una forma heredada del Clasicismo adaptada al lenguaje y expresión
del Romanticismo.
- Formas breves para piano. Son formas de corta duración que no por breves están
faltas de gran calidad y profundidad expresiva, de carácter libre en las que se dan rienda
suelta a los sentimientos y a la fantasía. Los títulos de estas piezas son muy variados y
reflejan sentimientos intimistas (nocturnos, preludios, fantasias, baladas), los llamados
estudios son piezas breves de gran virtuosismo y dificultad técnica con un alto nivel
artístico, a veces recurren a danzas populares (valses, polonesas, mazurcas, etc), piezas
de carácter improvisado como el impromptu, etc.
Entre los compositores más destacados se encuentran Chopin, Schumann y Liszt.
7.2.2.- Música de cámara.
Los músicos románticos también practicaron la música de cámara, sobre todo los tríos
cuartetos y quintetos de cuerda con piano. Destacan Schubert, Schumann, Brahms.
7.2.3.- Formas para la orquesta.
- Sinfonía: Forma para la orquesta sinfónica sin solista en varios movimientos, forma
heredada del Clasicismo, los músicos románticos la adaptaron a su lenguaje, respetando
cada vez menos su esquema formal, con de mayor duración e intentando conseguir el
máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas románticas.
Destacan Schubert, Mendelssohn, Schumann, y Brahms.
20- Concierto: Forma instrumental para un solista y la orquesta dividida en tres
movimientos. El instrumento solista principal en el romanticismo será el piano, aunque
también se utliza el violín y con menor frecuencia otros instrumentos.
Destacar en el concierto romántico la importancia que adquirirá la orquesta y el carácter
virtuoso,( gran dificultad técnica y expresiva) del instrumento solista.
- Música programática: Como consecuencia de la inclinación literaria de los músicos
románticos y la necesidad de libertad expresiva surge un nuevo género musical que
tendrá un gran seguimiento no sólo en la música de este periodo romántico sino también
en la música nacionalista y en la música del siglo XX.
La música programática es un tipo de música sinfónica que se inspira en ideas
extramusicales. Pretende expresar musicalmente una idea, una historia, etc que se
comunica al oyente mediante un título o programa que sirve de argumento. Las formas
más importantes son:
- Sinfonía programática: Forma instrumental para la orquesta sinfónica en varios
movimientos, que intenta describir una historia o un argumento literario
mediante la música. Su creador fue Hector Berlioz.
- Poema sinfónico: Forma instrumental para la orquesta de un solo movimiento
que pretende expresar mediante la música una idea, o un poema. Su creador fue
Franz Liszt. Es la forma más importante dentro de la música programática
preferida por los compositores sobre todo por su gran libertad creativa.
- Otras formas como la Suite o el Ballet.
7.2.4.- Formas vocales.
- El Lied: Es una forma para voz solista y piano que intenta expresar los
sentimientos e ideas de un poema. El piano es más que un instrumento
acompañante, se iguala en importancia a la voz y contribuye a producir el clima
afectivo de la idea que se canta. Destacan en esta forma Schubert, Schumann,
Bramhs.
- La Ópera:
El siglo XIX es el siglo de la ópera, de los divos, de los grandes teatros, y
será Italia la gran Protagonista por la importancia que asumirá en este país. La
ópera italiana se caracteriza por la belleza de las melodías, el gran virtuosismo
de la voz, que predomina sobre la orquesta, la gran importancia del coro y la
delicada orquestación. Destacan entre los compositores italianos: Rossini,
Bellini, Donizetti, y sobre todo Verdi.
- En Alemania el gran protagonista será Richard Wagner, que intenta crear una
ópera alemana que está a la altura de la música sinfónica. Se inspira en la
mitología alemana, busca la obra total, en la que se funden la poesía, la música,
el drama, y la acción. La orquesta adquirirá una gran importancia,
convirtiéndose en un personaje más de la obra. Creará el llamado Leitmotiv,
que es un motivo melódico que caracteriza a los personajes, los anuncia y
describe, suena cuando aparecen, se transforma con ellos, etc.
Renovó el interior de los teatros con la disminución de la luz de la sala para
mejorar la concentración del público, y escondió la orquesta en un espacio
situado delante del escenario.
218.- El nacionalismo musical.
El Nacionalismo es un movimiento dentro del romanticismo que surgió en la
segunda mitad del siglo XIX sobre todo en aquellos países que no habían tenido una
tradición de música culta propia, y que encontraron en las raíces folclóricas una manera
de acentuar su individualidad, su autonomía musical y cultural.
Países como Rusia, Escandinavia, Hungría, Checoslovaquia, España, Estados
Unidos e Hispanoamérica, buscan salir de su inferioridad cultural mediante la
recuperación de sus valores: investigan su historia, sus leyendas su cultura y su música.
Será en Rusia donde surgió en primer lugar en el seno de un grupo denominado
“el grupo de los cinco”, formado por: Mily Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui,
Modest Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. La mayoría eran músicos no profesionales,
sino músicos autodidactas, y crearon una música fresca, sin prejuicios normativos, que
inspirándose en el rico patrimonio cultural ruso crearon una música de gran influencia
en la música europea. Algunas de las características de la música nacionalista rusa: la
riqueza rítmica, melódica que apartó su música popular, el mayor uso de los
instrumentos de viento-metal, su contrastada orquestación, el uso de instrumentos poco
usuales como el arpa, el mayor uso de los coros, etc. Trabajaron todas las formas
musicales de su tiempo, pero sobre todo canciones, óperas, y música programática
Otros músicos nacionalistas importantes fueron el noruego Edvard Grieg; los checos
Antón Dvorak, y Bedrich Smetana, etc.
El Nacionalismo en España es un movimiento tardío, no será hasta casi
comienzos del siglo XX, cuando surja una verdadera corriente nacionalista promovida
por Felipe Pedrell (1841-1922) que investigó la música española y promovió en sus
discípulos la inspiración en el rico patrimonio musical español, sobre todo el andaluz,
como base de su obra musical.
Tanto Isaac Albeniz (1861-1909), como Enrique Granados (1877-1916) destacan por su
producción pianística, pero sin duda la gran figura del nacionalismo español es Manuel
de Falla (1876-1946) que incorporó en su música las tendencias vanguardistas del
momento
229.- La música en el siglo XX.
La ruptura con la tradición musical, no fue nunca tan radical, como en la música
del siglo XX, que llega incluso al completo abandono del concepto tradicional de
música. Si bien al mismo tiempo gran parte de esta ruptura quedó inalterada con : la
música ligera, la tradición de óperas y conciertos, el Neoclasicismo, etc.
El siglo XX cultiva una gran variedad de estilos mayor que en cualquier época anterior,
a ello contribuye la conservación del abundante patrimonio musical, el progresivo
contacto con otras culturas y la posibilidad de escuchar música en diferentes soportes:
discos, cintas, cd., etc.
Por otra parte la velocidad con que ha ido cambiando la música occidental en
este época ha sido mucho mayor que en cualquier periodo precedente. A veces una
tendencia no llegó a establecerse por completo cuando aparece otra acaparando toda la
atención.
Los importantes acontecimientos que han marcado el siglo XX : Las dos guerras
mundiales, la Revolución Rusa, etc. Determinará el pensamiento y las manifestaciones
artísticas que surgirán en este periodo y por lo tanto de la música. La música
contemporánea forma parte de la esencia de su época, no puede sonar mejor de lo que es
ésta, si quiere ser auténtica. La música no ha de ser necesariamente bella y armoniosa
sino sobre todo auténtica y por tanto desagradable. La finalidad no es el placer, sino la
conmoción del ser humano.
La música cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad,
busca ahora nuevos caminos a través de la transformación del concepto de melodía,
ritmo, armonía y forma.
Durante la primera década del siglo XX, el contacto de la sociedad europea con
culturas lejanas propiciadas por las exposiciones nacionales, aportó también nuevos
horizontes a la creación musical.
9.1.- Impresionismo.
El Impresionismo fue un movimiento que surge a fines del siglo XIX y se extiende
aproximadamente durante la primera década del XX. El creador y principal
representante de este movimiento en música fue Claude Debussy (1862-1918), ejerció
influencia en otros compositores que, si bien participaban de otros estilos, adoptaron
características del lenguaje de este movimiento, (Maurice Ravel, Eric Satie, Manuel de
Falla, etc)
El término se origino en el ámbito de la pintura en Francia. Musicalmente supone una
reacción frente al sentimentalismo romántico, una búsqueda de un nuevo lenguaje
basado menos en el sentimiento y más en la expresión de las impresiones que nos
produce la contemplación de la naturaleza.
9.1.1.- Características:
- Intenta sugerir con la música la naturaleza, suscitar una imagen visual, creando
una atmósfera sonora imprecisa.
- Crea una música contemplativa, estática, una música que refleja una impresión
de un instante recordado vagamente.
23- La melodía pierde su contorno, va desapareciendo, porque se valora el sonido
en sí mismo, de ahí la importancia que adquiere el timbre. Buscando todas las
posibilidades tímbricas de los instrumentos, utilizando instrumentos poco
frecuentes, como el arpa, la flauta travesera, etc.
- utiliza escalas exóticas como las orientales o antiguas como los antiguos modos
eclesiásticos, etc.
- Ausencia aparente de pulso rítmico y de compás, dando la impresión de que los
sonidos fluyen libremente. Se adoptan ritmos de otras culturas o estilos
musicales como los ritmos sincopados del Jazz, etc. Ritmos irregulares, etc.
- Gran libertad en las formas musicales. Formas para piano, música de cámara,
música sinfónica con influencia de la música programática, ópera, etc.
- Armonías complejas, gran uso de la disonancia.
9.2.- La música en la primera mitad del siglo XX.
Las características que podemos señalar en la música de este periodo son las siguientes:
- Gran importancia del timbre.
- Igualdad entre consonancias y disonancias.
- Ruptura con el concepto tradicional de melodía y del ritmo.
- Nuevo concepto de la orquestación: mayor importancia del viento y la
percusión.
- Incorporación de nuevos sonidos: Los producidos por la naturaleza, los ruidos,
sonidos artificiales producidos electrónicamente, etc.
Dos importantes músicos marcarán el arte musical de la primera mitad del siglo XX:
- Igor Stravinsky (1882-1971)
Discípulo de Rimski-korsakov, difícilmente clasificable, fue una de las figuras claves en
la música de éste periodo, experimentó con una gran diversidad de técnicas y estilos
musicales.
Investigará en todos los aspectos de la música: el ritmo, la instrumentación,, etc. Aportó
una nueva concepción del ritmo con ritmos irregulares, cambios frecuentes de compás,
acentos inesperados, polirrítmia. Otra de sus aportaciones fue el tratamiento de la
orquesta como un instrumento de percusión.
- Arnold Schönberg (1874-1951)
Se inicia bajo la influencia del post-romanticismo, pronto lo abandona y adopta una
línea expresionista (el expresionismo fue un movimiento pictórico que tiene una visión
pesimista del mundo generando un lenguaje que distorsiona la realidad), en la que
aparece un nuevo concepto de armonía en la que todos los sonidos son iguales y se
relacionan libremente. Esta tendencia le llevo a la creación de un movimiento que
tendrá gran influencia: El Dodecafonismo.
24El Dodecafonismo es un intento de hallar una alternativa a la tonalidad tradicional,
creando un sistema en el que las antiguas escalas, son sustituidas por un conjunto de 12
sonidos llamados series.
Este movimiento niega la jerarquía tradicional entre las notas, todos los sonidos tienen
la misma importancia. La música dodecafónica parte de una serie de 12 sonidos. Se
ordena las doce notas de la escala cromática en un orden determinado elegido por el
compositor sobre la que basará su obra. Estos sonidos pueden usarse horizontalmente
para crear melodías, o bien verticalmente para crear acordes.
Otros movimientos que surgieron en este periodo: El Brutalismo, que incorpora el
ruido a la música y fue el precedente de lo que se conocerá como música concreta, se
inspira en el ambiente industrial de la sociedad moderna. El Neoclasicismo,
movimiento que sin olvidar las novedades de ritmo, armonía, forma, etc., aspira a
devolver la comprensibilidad y el placer al oído, y tomo como fuente de inspiración
estilos del pasado.
9.3.- La música en la segunda mitad del siglo XX.
Las características más destacadas de la música de este periodo son las siguientes:
- Ausencia de pulso rítmico, ritmos irracionales.
- La importancia del timbre. El sonido será el componente esencial de la música,
más importante que la melodía, la armonía o el ritmo.
- Potenciación del sonido, violencia en el sonido.
- Nuevas técnicas, efectos especiales en los instrumentos.
- Gran expansión del grupo de percusión y la importancia de los sonidos
percusivos.
- Ámbito sonoro continuo.
- Nueva relación entre compositor e intérprete debido a la dificultad de
interpretación de la obra musical con una escritura libre.
Entre los movimientos más importantes destacar los siguientes:
El Serialismo: Es un movimiento que aplica el concepto de serie introducido por el
Dodecafonismo a todos los parámetros de la música y no sólo a la altura del sonido:
duración, ritmo, dinámica, timbre, etc. El resultado es una música absolutamente
organizada y racional.
Música Concreta: es una corriente que explora las posibilidades del sonido a través de
su grabación, utiliza los sonidos que existen en el mundo, los que están producidos por
objetos concretos y no por los instrumentos, que son luego reelaborados y desarrollados
en un laboratorio sonoro.
25Música electrónica: es aquella en la que se utilizan solamente sonidos producidos
electrónicamente. Es una música que incorpora las últimas novedades en el campo de la
electrónica. Es una música producida por tanto completamente en el laboratorio, se
crean, procesan y se graban electrónicamente.
Música electroacústica: Es la tendencia que funde la música concreta y electrónica y
que se convertirá en uno de los procedimientos más empleados por casi todos los
compositores del siglo XX.
Música aleatoria: Surge en los años60 como reacción a los movimientos anteriores,
buscando crear una mayor libertad compositiva e interpretativa al incorporar un cierto
grado de azar e improvisación tanto durante la composición como en el momento de la
interpretación, haciendo de cada composición una obra musical única e irrepetible. El
principal precursor de este tipo de música fue Jonh Cage (1912-1992).
En las últimas décadas del siglo XX, los compositores irán buscando un estilo más
personal, incluyendo en sus obras las diferentes aportaciones del lenguaje
contemporáneo de forma más libre
INTERPRETACIÓN MUSICAL
MÚSICA INSTRUMENTAL
MÚSICA VOCAL
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!. INTRODUCCIÓN
!!! Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX sin una línea divisoria estricta entre Clasicismo y el Romanticismo.
! CONTEXTO HISTÓRICO:
! En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas. El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se refuerza la
idea de individualidad.
! CONTEXTO CULTURAL:
!!! El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora. Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan
nuevas formas de expresión. Los artistas van a ser considerados genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente. Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte".
! CONTEXTO ARTÍSTICO:
!!! El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, por primera vez este arte brilla por encima del resto de las artes; la música se considera el lenguaje del espíritu frente a la razón.
!!! En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan de implicar emocionalmente al oyente.!En esta época brillarán numerosos compositores que seguirán el modelo de Beethoven.
1
1.1. PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
!!! En este periodo podemos hablar de tres etapas:
! ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830):
Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.
! ROMANTICISMO PLENO (1830-1850):
El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores como Liszt (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).
! ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890):
Destacan compositores de la talla de Brahms. Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Aparecen las nuevas corrientes: Postromanticismo y Nacionalismo.
1.2. CARACTERÍSTICAS MUSICALES
!!! Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades:
1. Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado con los editores de partituras.
2. Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de Wagner)
3. Búsqueda de la expresividad y los sentimientos en el oyente.
4. La melodía ocupará un lugar privilegiado y estarán cargadas de cambios de dinámica; todo ello con la finalidad de expresar los sentimientos.
5. La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.
1.3. ESCENARIOS! ROMÁNTICOS
La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres... Existía una producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:
• CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes salas propiedad del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet...
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• SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios burgueses se realizaban conciertos privados.
• MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos para celebrar fiestas. Era para la gran mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz Schubert.
1.4. EL GENIO ROMÁNTICO
1. Los músicos de la primera época tienen como modelo de creación a Beethoven. Para ellos la música es un medio de liberación del alma, en un mundo materialista. Se consideran "genios" creadores, verdaderos artistas, para ellos los intérpretes simplemente ejecutan un ejercicio mecánico.
2. Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aíslan y sufren enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban arruinados.
3. Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en ocasiones a sufrir penurias. Crean su música para la eternidad, pensando que el día de mañana alguien se dará cuenta de su talento.
4. Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.
LA ÓPERA ROMÁNTICA
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias. Vamos a ver el
desarrollo operístico en los países más importantes:
! ITALIA
En Italia, cuna de la ópera, podemos destacar las dos corrientes de este género que se van a dar a lo largo del Romanticismo:
• BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los cantantes, sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como Donizetti con "El elixir del amor" y Bellini con "Norma". Otro personaje destacado fue Rossini con "El barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo el siglo XIX. No podemos olvidar a Verdi, que se convertirá, junto con el alemán 3 Wagner, en el mejor operista del Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata","Aida" o "El Trovador".
• VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas. Los máximos representantes de este tipo de ópera son Mascagni con "Caballería Rusticana" y Puccini con óperas como "Tosca", "La Boheme" o "Madame
Butterfly".
! FRANCIA
! París se convirtió en el siglo XIX en la capital de la actividad operística europea. En Francia también coexisten dos estilos de ópera:
• LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, ballets, grandes coros y escenas multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género podemos nombrar a Meyerbeer con "Los Hugonotes" o Bizet con "Carmen" basado en un tema español en la que el autor utiliza danzas y temas populares.
• LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados y hablados. Sus argumentos son de carácter humorístico. Destacan compositores como Offenbach con "La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann"
! ALEMANIA
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca la obra de Weber, iniciador de la ópera
romántica en Alemania. Su obra más conocida es "El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se
conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su drama musical son las siguientes:
1. La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las artes (poesía, música, escenografía, drama...)
2. Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente para representar personajes, hechos, situaciones,...
4
3. Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
4. La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel principal en el desarrollo y explicación de la acción.
5. Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos", esta última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.
ESPAÑA
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto del siglo XIX se intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido
gran éxito: La Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes
conocimientos musicales.
Francisco Asenjo Barbieri es uno de los compositores que inicia la recuperación del género con la llamada "Zarzuela Grande", obras largas en tres actos con frecuente uso de coro y predominio de las partes cantadas. Estas obras contaban con un amplio despliegue de medios técnicos y escenográficos. Entre sus obras podemos destacar "El Barberillo de Lavapiés", "Jugar con Fuego" y "Pan y Toros".
!!! A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es
por lo tanto una zarzuela más económica al gusto de las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.
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EL LIED
!!! El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción, se convirtió en una de las principales formas vocales de la música romántica. Es una forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy
apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías.
Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.
LA MÚSICA INSTRUMENTAL
! LA MÚSICA DE CÁMARA
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo)...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una
viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
- LA MÚSICA ORQUESTAL
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 agrupando instrumentos de las tres familias. No es extraño obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa. Las tres grandes formas orquestales que se van a dar en el Romanticismo fueron:
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• LA SINFONÍA
!!Todos los grandes autores componen numerosas sinfonías en este periodo. Poco a poco, los compositores se van a ir liberando de los esquemas formales clásicos explotando con gran efectividad la riqueza técnica de los instrumentos.
!Las sinfonías serán cada vez más largas y complejas aspirando a conseguir el máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas. Entre los compositores más importantes destacamos a Schubert, Mendelssohn, Bruckner, Bramhms y como no, la figura protagonista, Beethoven, que creó sus últimas sinfonías en las que deja ver un gran espíritu romántico.
• EL CONCIERTO PARA SOLISTA
El Romanticismo es un periodo muy fructífero para este género instrumental. Se escribieron numerosos conciertos para solista y orquesta, los instrumentos para los que más música de este tipo se compuso fueron el violín y el piano.
• CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA: Los conciertos de piano destacan por los extraordinarios momentos de lucimiento de la parte solista. Era el preferido de los compositores románticos, ya que era capaz de aunar en una sola forma la riqueza tímbrica de la orquesta, el virtuosismo del instrumento solista, el carácter íntimo y expresivo del piano. Entre los compositores del siglo XIX que escribieron conciertos destacan Beethoven, Chopin, Schumann, Liszt o Brahms.
• CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA: Como en el caso del piano, las obras para violín exigían un gran lirismo en la interpretación de sus melodías además de una gran técnica instrumental. Entre los compositores que escribieron obras para este instrumento destacan Beethoven, Tchaikovski, Brahms o Paganini, conocido, este último, por ser el mejor violinista de la época y en ocasiones el único capaz de
interpretar sus propias obras
• LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
! La búsqueda de músicas más libres y abiertas, dará lugar al desarrollo de!la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...). Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema
sinfónico.
• LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que se desarrolla en torno a la
descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El
creador de este género es el compositor francés Berlioz con su obra "Episodios de
la vida de un artista. Sinfonía fantástica" en la que narra su amor no correspondido.
La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos). El
autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.
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• EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento, basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, Rimsky - Korsakov, Richard Strauss, Saint - Säens o Paul Dukas.
• LA MÚSICA PARA PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores y de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias burguesas hubiese un piano puesto que era sinónimo de calidad de vida. Familiares y amigos solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de interpretar reducciones de obras de orquesta. Por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en él un medio de comunicación para expresar pasiones y sentimientos.
En el Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
• Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración y de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en
las que la improvisación jugaba un papel protagonista) Los compositores más representativos de este género fueron!Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o Chopin, que también abordará el piano lírico.
• Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. En este género destacan Chopin y Schumann que crearon piezas que denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, o nocturnos.
Promovidos por el espíritu nacionalista también realizaron obras basadas en danzas o temas populares de sus territorios como las polonesas o las mazurcas.
- BALLET
Durante el siglo XIX la técnica del ballet clásico encontró su formulación definitiva. En el Romanticismo algunos maestros franceses como Marius Petipá se instalaron en Rusia y crearon una escuela clásica de ballets rusos, cuyo prestigio e importancia se han mantenido hasta la actualidad. Hasta ese momento los ballets 8 estaban constituidos y a partir de la unión de diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no guardaba ninguna relación entre sí. Una de las grandes aportaciones de los ballets rusos fue la de poner en escena una historia coherente con diferentes temáticas, tanto dramáticas como cómicas.
María Taglioni se convertirá en la gran bailarina del siglo XIX, participando en los estrenos de los ballets de los principales compositores. Esta bailarina fue la primera que se puso de puntillas a la hora de realizar sus danzas en el escenario.
Con este gesto se conseguía cierto sentido de ingravidez, convirtiéndose en un ser etéreo. Entre los bailarines destacados se encuentra el ruso Nijinski. Entre los compositores más famosos de ballet tenemos que destacar a Tchaikovski con obras como "El cascanueces", "La bella durmiente" o "El lago de los cisnes".
La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo, que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye una ampliación del lenguaje romántico. Los artistas
post-románticos se verán muy influidos por Wagner y tendrán a su vez influencia en las vanguardias del siglo XX. Entre los compositores más destacados del Postromanticismo podemos nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en Re menor).
- LOS NACIONALISMOS
!! A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones de tipo histórico. Este movimiento político nacionalista se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania e Italia.
!!! Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde se desencadenó un movimiento que volvió su mirada hacia la tradición y buscó materiales musicales en el folklore de cada territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en países que habían estado sometidos a gustos musicales
extranjeros, como Rusia, Bohemia, los Países Escandinavos, Hungría o España entre otros.
!!! Muchos de los compositores románticos anteriores ya utilizan o se inspiran en fuentes propias de su folklore; es el caso de Chopin con sus polonesas y mazurcas, o de Liszt con sus rapsodias húngaras. Sin embargo, es a partir de las revoluciones europeas de 1848 cuando se desarrollan plenamente los nacionalismos, en los que cada país busca resaltar su identidad rescatando su tradición cultural y folclórica 9
RUSIA
!!! El movimiento nacionalista más poderoso tuvo lugar en Rusia, el iniciador del mismo fue Mijail Glinka, que destaca por su ópera "Una vida por el zar". Más tarde surgió un grupo de compositores conocido como "El grupo de los cinco", estos músicos fueron Balakirev, Borodin, Cesar Cui, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov.
!!! Aunque no fueron músicos profesionales, su música es de una alta calidad. En ella evocan la historia rusa y los giros peculiares de la música autóctona; emplean temas tradicionales como fuente de inspiración y otros recursos de su folklore. !!! Entre ellos destaca Mussorgsky, músico incomprendido pero de grandes
cualidades. Su ópera "Boris Godunov" es una obra maestra; otra de sus obras más importantes lleva por título "Cuadros de una exposición".
ESCANDINAVIA
Destacan Edvard Grieg y Jan Sibelius.
•!!! El noruego Grieg había estudiado en Alemania, pero cuando volvió a su país comenzó a fijarse en el folklore, dedicándose a recoger canciones y danzas populares. Su obra más conocida es la suite "Peer Gynt", ambientada en Noruega.
•!!! El finlandés Sibelius también estudió en Alemania, pero como Grieg, decidió seguir su propio rumbo. Compuso varios poemas sinfónicos, uno de los cuales, "Tapiola", es el retrato de los interminables bosques finlandeses.
BOHEMIA Y HUNGRÍA "CENTRO#EUROPA$
A finales del siglo XIX, Bohemia (en la actualidad, República Checa) conoció un periodo de gran riqueza musical. Esta región había sido absorbida por el Imperio Austro-húngaro y dominada por la cultura alemana. El gran iniciador de esta escuela nacionalista fue Smetana, que compone seis poemas sinfónicos bajo el
título de "Mi patria" en los que describe los paisajes de su tierra.
El gran continuador de la obra de Smetana es Dvorak, muy influido por los románticos alemanes, utilizará melodías y ritmos populares con un carácter nacional indiscutible. Escribió "La sinfonía del nuevo mundo" dedicada al descubrimiento de América, país donde desarrollo el final de su carrera musical. El interés por la cultura tradicional musical se extenderá por toda Europa en países como Hungría, que había formado parte del Imperio Austro-Húngaro. Los compositores húngaros más importantes son Bela Bartók y Zoltán Kodály, que se convertirán en investigadores y recopiladores del folklore de su país, ejerciendo la
función de etnomusicólogos. Durante muchos años recorrieron en compañía no sólo su país, sino también Rumania y Eslovaquia, tomando notas y grabando 10 todos los cantos que oían, que más tarde se ocuparían de publicar y difundir.
Además, sus estudios se extendieron a la pedagogía musical, creando un nuevo sistema para la iniciación de los más jóvenes en la música.
ESPAÑA
El nacionalismo en España es un movimiento tardío. Aunque la zarzuela de mediados de siglo supone una primera conciencia nacional como respuesta a la influencia de la ópera italiana, no será hasta casi comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente nacionalista. El promotor y padre del nacionalismo
musical español fue el catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de material tradicional y folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.
!!! Las teorías nacionalistas de Pedrell serán llevadas a cabo por sus discípulos, entre los que cabe destacar a Isaac Albéniz, autor de la suite para piano "Iberia" y a Enrique Granados, creador de obras como "Danzas españolas" y "Goyescas", estas últimas inspiradas en las pinturas de Goya.
Pero sin duda, la gran figura del nacionalismo español es Manuel de Falla, que obtuvo grandes éxitos internacionales y supo conjugar a la perfección los elementos folclóricos y tradicionales con las tendencias vanguardistas del momento. Entre sus obras destacan el ballet "El amor brujo", conciertos como "Noches en los jardines de España", obras para piano como "La sinfonía bética" y óperas como "La vida breve".
!!!AMÉRICA
Además de los países ya mencionados, el nacionalismo se extenderá por toda Europa y atravesará el Atlántico hasta llegar al nuevo continente. Así, dentro del nacionalismo aparece con personalidad propia la figura del norteamericano George Gershwin, quien basa su música en la explotación del jazz. Crea una ópera
titulada "Porgy and Bess", inspirada rítmica y melódicamente en la música de jazz.
Otras obras importantes son "Rapsody in blue" y "Un americano en París". !!! A Latinoamérica también llegará la corriente nacionalista. El compositor más representativo es el brasileño Heitor Villalobos, que destacará en sus obras para guitarra.
11
6! CUESTIONARIO
!. INTRODUCCIÓN
1) ¿Cuáles son los límites cronológicos del Romanticismo?
2) ¿Qué cuatro hechos históricos destacarán en la sociedad europea del
Romanticismo? Explícalo.
3) Describe el contexto cultural romántico del siglo XIX
4) ¿Qué caracteriza el arte romántico?
5) ¿Quién será el modelo de los autores musicales de esta época?
2.PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
1) ¿Qué tres etapas van a destacar en el Romanticismo?
2) ¿Qué autores destacan en la primera etapa? Explica porqué
3) ¿Qué caracteriza el Romanticismo pleno?
3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES # ESCENARIOS! ROMÁNTICOS # EL
GENIO ROMÁNTICO
1) ¿Qué novedades podemos destacar en este periodo?
2) ¿Qué ciudades concentran la vida musical de esta época.
3) ¿En qué ambientes y escenarios tiene lugar la práctica musical romántica?
4) ¿Cómo se ven los músicos de la primera época romántica? . LA ÓPERA ROMÁNTICA - Italia
1) Señala qué cambios se producen en el mundo de la ópera romántica.
2) ¿Cuáles son las principales corrientes operísticas italianas? Escribe las principales de cada una.
3) Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona. Bellini; Puccini; Donizetti; Mascagni; Verdi; Rossini. - Francia
4) ¿Cuál fue la capital operística de la Europa del siglo XIX.
5) ¿Qué estilos coexistían en Francia? Explícalo.
6) Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona. Meyerbeer; Offenbach; Bizet.12 - Alemania
7) ¿Quién fue el creador del “Drama Musical”
8) Describe las cinco características del Drama Musical.
9) ¿Cuál es la principal obra de Wagner? - España
10) ¿Qué aspectos caracterizan la zarzuela española?
11) ¿Qué compositor español impulsó la zarzuela?
12) ¿Que diferencias existen entre el "Género Chico" de la "Zarzuela Grande"
13)Escribe el título de una ópera de los siguientes compositores y señala con qué corriente operística se les relaciona.
Federico Chueca; Asenjo Barbieri; Ruperto Chapí; Tomás Bretón. - El lied
14) ¿Qué es un lied?¿Cuáles son sus autores principales?
4. LA MÚSICA INSTRUMENTAL
1) ¿Cuál fue el motivo del éxito de la música de cámara en el Romanticismo?
2) ¿Cuántos músicos podían integrar una orquesta sinfónica?
3) ¿Qué autores destacan en la composición de sinfonías?
4) ¿Qué tipo de concierto para solista era el preferido de los compositores románticos?
5) ¿Por qué destacó en su época Paganini?
6) ¿Qué dos nuevas formas de música programática nacen en esta época? Escribe un ejemplo de cada forma con su autor correspondiente.
7) Explica los motivos por los que el piano se convirtió en el principal instrumento romántico.
8) Señala las diferencias existentes entre virtuosismo y lirismo. Escribe el nombre de los compositores que destacan en cada estilo. '. BALLET
1) ¿Qué aportaron Marius Petipá y María Taglioni a la historia del ballet?
2) ¿Cuáles son los principales ballets de Tchaikovski?
3) ¿En qué país se prolonga el pensamiento romántico dando paso al Post- Romanticismo?¿Qué autor será la referencia de este movimiento artístico? 13
5. LOS NACIONALISMOS
1) ¿En qué se basó el movimiento nacionalista del siglo XIX? Señala qué países surgieron a raíz de este movimiento político.
2) ¿Qué repercusión tuvo el nacionalismo en el campo de la música? Cita tres países donde este movimiento tuvo gran repercusión y explica porqué.
3) ¿A partir de que fecha se desarrollan los nacionalismos?
4) ¿Qué podemos decir de los músicos integrantes del “grupo de los cinco”? Escribe el nombre de las principales obras de Mussorgsky
5) Escribe el nombre, la nacionalidad y las principales obras de los autores nacionalistas escandinavos.
6) Escribe el nombre, la nacionalidad y las principales obras de los autores nacionalistas bohemios.
7) ¿Quiénes fueron los principales compositores húngaros nacionalistas? Describe cuáles fueron sus principales actividades musicales.
8) Elabora un resumen sobre el desarrollo del nacionalismo español.
9) ¿ Quiénes son los principales autores nacionalistas americanos? 14
_187.- La música en el Romanticismo. (1810-1900)
El término Romanticismo se utiliza para referirse a la historia, el pensamiento y el arte
del siglo XIX. El siglo XIX es la época de la Revolución Industrial, aparecen nuevas
fuentes de energía (vapor, petróleo, electricidad), se desarrolla la industria (textil,
metalúrgica, química, etc), aparecen nuevos medios de trasporte y de comunicación, así
como se producen también grandes avances en el campo científico (se descubre la
radiactividad, se inventan las vacunas, se desarrolla la teoría de la evolución de las
especies, etc.)
Desde el punto de vista socio-político, el siglo XIX supone la aparición del concepto de
nación y el nacionalismo como modelo político, la consolidación de la burguesía, el
surgimiento de una nueva clase social, el proletariado, así como nuevas corrientes
ideológicas que intentan luchar contra la miseria y las desigualdades sociales (corrientes
socialistas, sindicatos, etc.)
El Romanticismo desde el punto de vista artístico, nació en Alemania como movimiento
literario, influyendo a todas las artes, y extendiéndose posteriormente por el resto de los
países europeos. Este movimiento se caracterizó por la revalorización de los
sentimientos, buscando la expresión libre de los sentimientos individuales y subjetivos.
A diferencia del Clasicismo que buscaba una belleza basada en el orden, el equilibrio, y
la perfección, el artista romántico prestará atención a los aspectos más profundos del ser
humano: las emociones, los sentimientos, la pasión, la fantasía y el amor por la libertad.
Se inspirarán en la naturaleza, la literatura, la pintura, los personajes y acontecimientos
históricos, lo lejano, lo mágico y lo irreal.
El mito musical romántico durante todo el XIX fue la figura de Ludwig van Beethoven
(1770-1827) , músico que vivió entre dos épocas y que puede considerarse como el
último compositor clásico y el primer romántico. Fue un gran pianista, gran creador de
música sinfónica que rompió los moldes de la música clásica y que buscó en su obra y
en su vida, la libertad de expresión en la que se inspiraron no sólo los músicos
posteriores sino también los literatos y todos los artistas en general.
7.1.- Características musicales.
- Se busca una mayor libertad para diseñar y estructurar la música. Están más
preocupados por el contenido que por la forma musical. Intentan encontrar una
expresión de emociones y sentimientos más intensa y personal, con gran participación
de la fantasía y la imaginación.
- Las melodías se hicieron más libres en cuanto a su forma, más líricas y cantables. A
veces se inspiran en melodías populares.
- Los ritmos son más complejos y variados, aparecen polirrítmias (varios ritmos al
mismo tiempo), cambios rítmicos que prescinden del compás, etc.
- Las armonías son más complejas y ricas, con un uso mayor de las disonancias.
- Mayores contrastes de velocidad, de intensidad, de alturas y de timbres.
19- Se mejoran técnicamente los instrumentos: se incorporan las llaves en los instrumentos
de viento –madera, y los pistones y válvulas en los de viento-metal.
- El piano es el instrumento romántico por excelencia, experimentó grandes mejoras: se
incrementó el número de notas, obteniendo así un sonido más amplio y rico, se aumentó
su potencia sonora con la incorporación de cuerdas metálicas, con el aumento del grosor
de las cuerdas y con la incorporación de una caja de resonancia con armazón metálico
que dió al instrumento un sonido más brillante y profundo; la incorporación de los
pedales posibilitó la prolongación del sonido.
- La búsqueda de mayor expresión tuvo como consecuencia la ampliación de la orquesta
sinfónica no sólo con un mayor número de instrumentos ya existentes, sino también con
la incorporación de instrumentos nuevos como: el flautín, el corno inglés, el
contrafagot, el clarinete bajo y el saxofón en los de viento-madera y en los metales con
la tuba. También aumentan los instrumentos de percusión. El arpa es otro instrumento
que aparecerá con frecuencia sobre todo en la segunda mitad del siglo.
7.2.- Formas musicales románticas.
7.2.1.- Formas para piano.
- Sonatas. Forma instrumental para piano, o para piano con otro instrumento, en varios
movimientos. Es una forma heredada del Clasicismo adaptada al lenguaje y expresión
del Romanticismo.
- Formas breves para piano. Son formas de corta duración que no por breves están
faltas de gran calidad y profundidad expresiva, de carácter libre en las que se dan rienda
suelta a los sentimientos y a la fantasía. Los títulos de estas piezas son muy variados y
reflejan sentimientos intimistas (nocturnos, preludios, fantasias, baladas), los llamados
estudios son piezas breves de gran virtuosismo y dificultad técnica con un alto nivel
artístico, a veces recurren a danzas populares (valses, polonesas, mazurcas, etc), piezas
de carácter improvisado como el impromptu, etc.
Entre los compositores más destacados se encuentran Chopin, Schumann y Liszt.
7.2.2.- Música de cámara.
Los músicos románticos también practicaron la música de cámara, sobre todo los tríos
cuartetos y quintetos de cuerda con piano. Destacan Schubert, Schumann, Brahms.
7.2.3.- Formas para la orquesta.
- Sinfonía: Forma para la orquesta sinfónica sin solista en varios movimientos, forma
heredada del Clasicismo, los músicos románticos la adaptaron a su lenguaje, respetando
cada vez menos su esquema formal, con de mayor duración e intentando conseguir el
máximo rendimiento de los recursos tímbricos de las grandes orquestas románticas.
Destacan Schubert, Mendelssohn, Schumann, y Brahms.
20- Concierto: Forma instrumental para un solista y la orquesta dividida en tres
movimientos. El instrumento solista principal en el romanticismo será el piano, aunque
también se utliza el violín y con menor frecuencia otros instrumentos.
Destacar en el concierto romántico la importancia que adquirirá la orquesta y el carácter
virtuoso,( gran dificultad técnica y expresiva) del instrumento solista.
- Música programática: Como consecuencia de la inclinación literaria de los músicos
románticos y la necesidad de libertad expresiva surge un nuevo género musical que
tendrá un gran seguimiento no sólo en la música de este periodo romántico sino también
en la música nacionalista y en la música del siglo XX.
La música programática es un tipo de música sinfónica que se inspira en ideas
extramusicales. Pretende expresar musicalmente una idea, una historia, etc que se
comunica al oyente mediante un título o programa que sirve de argumento. Las formas
más importantes son:
- Sinfonía programática: Forma instrumental para la orquesta sinfónica en varios
movimientos, que intenta describir una historia o un argumento literario
mediante la música. Su creador fue Hector Berlioz.
- Poema sinfónico: Forma instrumental para la orquesta de un solo movimiento
que pretende expresar mediante la música una idea, o un poema. Su creador fue
Franz Liszt. Es la forma más importante dentro de la música programática
preferida por los compositores sobre todo por su gran libertad creativa.
- Otras formas como la Suite o el Ballet.
7.2.4.- Formas vocales.
- El Lied: Es una forma para voz solista y piano que intenta expresar los
sentimientos e ideas de un poema. El piano es más que un instrumento
acompañante, se iguala en importancia a la voz y contribuye a producir el clima
afectivo de la idea que se canta. Destacan en esta forma Schubert, Schumann,
Bramhs.
- La Ópera:
El siglo XIX es el siglo de la ópera, de los divos, de los grandes teatros, y
será Italia la gran Protagonista por la importancia que asumirá en este país. La
ópera italiana se caracteriza por la belleza de las melodías, el gran virtuosismo
de la voz, que predomina sobre la orquesta, la gran importancia del coro y la
delicada orquestación. Destacan entre los compositores italianos: Rossini,
Bellini, Donizetti, y sobre todo Verdi.
- En Alemania el gran protagonista será Richard Wagner, que intenta crear una
ópera alemana que está a la altura de la música sinfónica. Se inspira en la
mitología alemana, busca la obra total, en la que se funden la poesía, la música,
el drama, y la acción. La orquesta adquirirá una gran importancia,
convirtiéndose en un personaje más de la obra. Creará el llamado Leitmotiv,
que es un motivo melódico que caracteriza a los personajes, los anuncia y
describe, suena cuando aparecen, se transforma con ellos, etc.
Renovó el interior de los teatros con la disminución de la luz de la sala para
mejorar la concentración del público, y escondió la orquesta en un espacio
situado delante del escenario.
218.- El nacionalismo musical.
El Nacionalismo es un movimiento dentro del romanticismo que surgió en la
segunda mitad del siglo XIX sobre todo en aquellos países que no habían tenido una
tradición de música culta propia, y que encontraron en las raíces folclóricas una manera
de acentuar su individualidad, su autonomía musical y cultural.
Países como Rusia, Escandinavia, Hungría, Checoslovaquia, España, Estados
Unidos e Hispanoamérica, buscan salir de su inferioridad cultural mediante la
recuperación de sus valores: investigan su historia, sus leyendas su cultura y su música.
Será en Rusia donde surgió en primer lugar en el seno de un grupo denominado
“el grupo de los cinco”, formado por: Mily Balakirev, Alexander Borodin, Cesar Cui,
Modest Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. La mayoría eran músicos no profesionales,
sino músicos autodidactas, y crearon una música fresca, sin prejuicios normativos, que
inspirándose en el rico patrimonio cultural ruso crearon una música de gran influencia
en la música europea. Algunas de las características de la música nacionalista rusa: la
riqueza rítmica, melódica que apartó su música popular, el mayor uso de los
instrumentos de viento-metal, su contrastada orquestación, el uso de instrumentos poco
usuales como el arpa, el mayor uso de los coros, etc. Trabajaron todas las formas
musicales de su tiempo, pero sobre todo canciones, óperas, y música programática
Otros músicos nacionalistas importantes fueron el noruego Edvard Grieg; los checos
Antón Dvorak, y Bedrich Smetana, etc.
El Nacionalismo en España es un movimiento tardío, no será hasta casi
comienzos del siglo XX, cuando surja una verdadera corriente nacionalista promovida
por Felipe Pedrell (1841-1922) que investigó la música española y promovió en sus
discípulos la inspiración en el rico patrimonio musical español, sobre todo el andaluz,
como base de su obra musical.
Tanto Isaac Albeniz (1861-1909), como Enrique Granados (1877-1916) destacan por su
producción pianística, pero sin duda la gran figura del nacionalismo español es Manuel
de Falla (1876-1946) que incorporó en su música las tendencias vanguardistas del
momento
229.- La música en el siglo XX.
La ruptura con la tradición musical, no fue nunca tan radical, como en la música
del siglo XX, que llega incluso al completo abandono del concepto tradicional de
música. Si bien al mismo tiempo gran parte de esta ruptura quedó inalterada con : la
música ligera, la tradición de óperas y conciertos, el Neoclasicismo, etc.
El siglo XX cultiva una gran variedad de estilos mayor que en cualquier época anterior,
a ello contribuye la conservación del abundante patrimonio musical, el progresivo
contacto con otras culturas y la posibilidad de escuchar música en diferentes soportes:
discos, cintas, cd., etc.
Por otra parte la velocidad con que ha ido cambiando la música occidental en
este época ha sido mucho mayor que en cualquier periodo precedente. A veces una
tendencia no llegó a establecerse por completo cuando aparece otra acaparando toda la
atención.
Los importantes acontecimientos que han marcado el siglo XX : Las dos guerras
mundiales, la Revolución Rusa, etc. Determinará el pensamiento y las manifestaciones
artísticas que surgirán en este periodo y por lo tanto de la música. La música
contemporánea forma parte de la esencia de su época, no puede sonar mejor de lo que es
ésta, si quiere ser auténtica. La música no ha de ser necesariamente bella y armoniosa
sino sobre todo auténtica y por tanto desagradable. La finalidad no es el placer, sino la
conmoción del ser humano.
La música cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad,
busca ahora nuevos caminos a través de la transformación del concepto de melodía,
ritmo, armonía y forma.
Durante la primera década del siglo XX, el contacto de la sociedad europea con
culturas lejanas propiciadas por las exposiciones nacionales, aportó también nuevos
horizontes a la creación musical.
9.1.- Impresionismo.
El Impresionismo fue un movimiento que surge a fines del siglo XIX y se extiende
aproximadamente durante la primera década del XX. El creador y principal
representante de este movimiento en música fue Claude Debussy (1862-1918), ejerció
influencia en otros compositores que, si bien participaban de otros estilos, adoptaron
características del lenguaje de este movimiento, (Maurice Ravel, Eric Satie, Manuel de
Falla, etc)
El término se origino en el ámbito de la pintura en Francia. Musicalmente supone una
reacción frente al sentimentalismo romántico, una búsqueda de un nuevo lenguaje
basado menos en el sentimiento y más en la expresión de las impresiones que nos
produce la contemplación de la naturaleza.
9.1.1.- Características:
- Intenta sugerir con la música la naturaleza, suscitar una imagen visual, creando
una atmósfera sonora imprecisa.
- Crea una música contemplativa, estática, una música que refleja una impresión
de un instante recordado vagamente.
23- La melodía pierde su contorno, va desapareciendo, porque se valora el sonido
en sí mismo, de ahí la importancia que adquiere el timbre. Buscando todas las
posibilidades tímbricas de los instrumentos, utilizando instrumentos poco
frecuentes, como el arpa, la flauta travesera, etc.
- utiliza escalas exóticas como las orientales o antiguas como los antiguos modos
eclesiásticos, etc.
- Ausencia aparente de pulso rítmico y de compás, dando la impresión de que los
sonidos fluyen libremente. Se adoptan ritmos de otras culturas o estilos
musicales como los ritmos sincopados del Jazz, etc. Ritmos irregulares, etc.
- Gran libertad en las formas musicales. Formas para piano, música de cámara,
música sinfónica con influencia de la música programática, ópera, etc.
- Armonías complejas, gran uso de la disonancia.
9.2.- La música en la primera mitad del siglo XX.
Las características que podemos señalar en la música de este periodo son las siguientes:
- Gran importancia del timbre.
- Igualdad entre consonancias y disonancias.
- Ruptura con el concepto tradicional de melodía y del ritmo.
- Nuevo concepto de la orquestación: mayor importancia del viento y la
percusión.
- Incorporación de nuevos sonidos: Los producidos por la naturaleza, los ruidos,
sonidos artificiales producidos electrónicamente, etc.
Dos importantes músicos marcarán el arte musical de la primera mitad del siglo XX:
- Igor Stravinsky (1882-1971)
Discípulo de Rimski-korsakov, difícilmente clasificable, fue una de las figuras claves en
la música de éste periodo, experimentó con una gran diversidad de técnicas y estilos
musicales.
Investigará en todos los aspectos de la música: el ritmo, la instrumentación,, etc. Aportó
una nueva concepción del ritmo con ritmos irregulares, cambios frecuentes de compás,
acentos inesperados, polirrítmia. Otra de sus aportaciones fue el tratamiento de la
orquesta como un instrumento de percusión.
- Arnold Schönberg (1874-1951)
Se inicia bajo la influencia del post-romanticismo, pronto lo abandona y adopta una
línea expresionista (el expresionismo fue un movimiento pictórico que tiene una visión
pesimista del mundo generando un lenguaje que distorsiona la realidad), en la que
aparece un nuevo concepto de armonía en la que todos los sonidos son iguales y se
relacionan libremente. Esta tendencia le llevo a la creación de un movimiento que
tendrá gran influencia: El Dodecafonismo.
24El Dodecafonismo es un intento de hallar una alternativa a la tonalidad tradicional,
creando un sistema en el que las antiguas escalas, son sustituidas por un conjunto de 12
sonidos llamados series.
Este movimiento niega la jerarquía tradicional entre las notas, todos los sonidos tienen
la misma importancia. La música dodecafónica parte de una serie de 12 sonidos. Se
ordena las doce notas de la escala cromática en un orden determinado elegido por el
compositor sobre la que basará su obra. Estos sonidos pueden usarse horizontalmente
para crear melodías, o bien verticalmente para crear acordes.
Otros movimientos que surgieron en este periodo: El Brutalismo, que incorpora el
ruido a la música y fue el precedente de lo que se conocerá como música concreta, se
inspira en el ambiente industrial de la sociedad moderna. El Neoclasicismo,
movimiento que sin olvidar las novedades de ritmo, armonía, forma, etc., aspira a
devolver la comprensibilidad y el placer al oído, y tomo como fuente de inspiración
estilos del pasado.
9.3.- La música en la segunda mitad del siglo XX.
Las características más destacadas de la música de este periodo son las siguientes:
- Ausencia de pulso rítmico, ritmos irracionales.
- La importancia del timbre. El sonido será el componente esencial de la música,
más importante que la melodía, la armonía o el ritmo.
- Potenciación del sonido, violencia en el sonido.
- Nuevas técnicas, efectos especiales en los instrumentos.
- Gran expansión del grupo de percusión y la importancia de los sonidos
percusivos.
- Ámbito sonoro continuo.
- Nueva relación entre compositor e intérprete debido a la dificultad de
interpretación de la obra musical con una escritura libre.
Entre los movimientos más importantes destacar los siguientes:
El Serialismo: Es un movimiento que aplica el concepto de serie introducido por el
Dodecafonismo a todos los parámetros de la música y no sólo a la altura del sonido:
duración, ritmo, dinámica, timbre, etc. El resultado es una música absolutamente
organizada y racional.
Música Concreta: es una corriente que explora las posibilidades del sonido a través de
su grabación, utiliza los sonidos que existen en el mundo, los que están producidos por
objetos concretos y no por los instrumentos, que son luego reelaborados y desarrollados
en un laboratorio sonoro.
25Música electrónica: es aquella en la que se utilizan solamente sonidos producidos
electrónicamente. Es una música que incorpora las últimas novedades en el campo de la
electrónica. Es una música producida por tanto completamente en el laboratorio, se
crean, procesan y se graban electrónicamente.
Música electroacústica: Es la tendencia que funde la música concreta y electrónica y
que se convertirá en uno de los procedimientos más empleados por casi todos los
compositores del siglo XX.
Música aleatoria: Surge en los años60 como reacción a los movimientos anteriores,
buscando crear una mayor libertad compositiva e interpretativa al incorporar un cierto
grado de azar e improvisación tanto durante la composición como en el momento de la
interpretación, haciendo de cada composición una obra musical única e irrepetible. El
principal precursor de este tipo de música fue Jonh Cage (1912-1992).
En las últimas décadas del siglo XX, los compositores irán buscando un estilo más
personal, incluyendo en sus obras las diferentes aportaciones del lenguaje
contemporáneo de forma más libre
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