Música.Clasicismo.

CLASICISMO-

1. INTRODUCCIÓN

 El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a la Edad Contemporánea.

✓ CONTEXTO HISTÓRICO:

 Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.

✓ CONTEXTO CULTURAL:
 El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la equeña nobleza, cuya principal creación fue “La Enciclopedia” de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa.  Los músicos, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar
supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos. La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos
públicos.

✓ CONTEXTO ARTÍSTICO:
 En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no
pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la “búsqueda de la belleza” y la “perfección formal”. 1 Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.

 2. LA MÚSICA RELIGIOSA
 Como ya habíamos adelantado, la música religiosa va a estar en decadencia en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.  En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la “misa”. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.  El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de
duelo.
 Dentro de este tipo de género, podemos destacar el Réquiem de Mozart, obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del “más allá” para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa.
Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada, siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.

3. LA ÓPERA SERIA
El Clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
Por otra parte los teatros se multiplicaron y el público aumentó, costeando el trabajo de los compositores mediante el dinero que aportaban con la compra de entradas.
2A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender. Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.
 En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona".
Su éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".
 En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más elaborada que la ópera bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la ópera bufa que había llegado desde Italia, la cual consideraban
que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que la ópera seria debía adoptar,
que se resumen en los siguientes puntos:
1. Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.
2. Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
3. El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
4. La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes. Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.

4. LA ÓPERA BUFA
Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo a la llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron 3desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de “La Serva Padrona” de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
1. Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
2. Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
3. Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
4. En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban juntos al final.
5. El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.  Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la ópera seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.

5. LA MÚSICA INSTRUMENTAL
La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a dos agrupaciones:

 LA MÚSICA DE CÁMARA:
 Llamamos así a la música compuesta para un grupo reducido de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. El nombre viene de los lugares en los que ensayaban pequeños grupos de músicos durante la Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones, no muy grandes, se les llamaba cámaras.
 Relegada hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque económicamente
una agrupación de cámara era mucho más rentable que una orquesta.
 Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera ser interpretada por aficionados.
4 Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo)…; pero sin duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)

LA MÚSICA DE ORQUESTA:
Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona hasta convertirse en uno de los medios de expresión más utilizados por los compositores. La constitución de las orquestas va a seguir dependiendo de las posibilidades económicas y de la disponibilidad de instrumentistas. Sin embargo, las orquestas poco a poco se fueron uniformando, de manera que hacia finales del siglo XVIII ya podemos hablar de un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos), una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas,…) y una de percusión (timbales, platillos,…)
En esta concreción de la orquesta hubo un personaje que influye en gran medida: Johann Stamitz. Este hombre fue promotor y director de “La Escuela de Mannheim”, una escuela de música situada en esa localidad alemana que en su época contó con la mejor orquesta del mundo.
 Dentro de las novedades que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta podemos destacar las siguientes:
1 Disciplina en el estudio: a su orquesta se le conocía con el sobrenombre de “Ejército de generales”
2 Trabajo por secciones instrumentales: antes de comenzar con los ensayos generales.
3 Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la orquesta se debe comportar como un solo instrumento, no como un conjunto de instrumentos.
 4 Incorporación de nuevos recursos que aumentan las posibilidades tímbricas de la orquesta como el Crescendo y el Diminuendo.
 Muchas de estas y otras innovaciones que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta siguen vigentes hoy en día.

 6. LAS FORMAS INSTRUMENTALES

 Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas musicales, que adaptaban a las necesidades de los pedidos de la aristocracia.
Algunas formas que destacaron fueron el divertimento, la serenata o la casación. Sin embargo, las tres formas más importantes de la época fueron las siguientes:
5✓ LA SONATA:
 Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo en el principal modelo de composición para la música instrumental de la época. Se trata de una obra musical compuesta para teclado solista o para otro instrumento con acompañamiento de teclado. La sonata consta de cuatro partes
denominadas movimientos. Cada uno de esos movimientos se distingue por su tempo y por su estructura, distinta de los demás.
1. Rápido (Allegro) 2. Lento (Andante o largo) 3. Ligero (suele ser un Minueto)
4. Rápido (Allegro o presto)

✓ LA SINFONÍA:
 Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa aunque de manera más compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos que luego se convertirán en cuatro. Se considera a Haydn como el compositor que dio la forma definitiva a este género, aunque los músicos de la Escuela de Manheim
también desarrollaron este género en gran medida.
 Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas
para interpretar sinfonías.
 Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por eso hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce como La Heroica y la 101 de Haydn se conoce como la “Sinfonía del reloj”.
 Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:
Haydn, que compuso más de 100; Mozart, que compuso 41 y Beethoven: que creó 9 sinfonías.

✓ CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA
 Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta. Generalmente, la forma del concierto es la misma que la de la sinfonía pero prescinde del tercer movimiento. Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo
forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.
 En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de solista eran el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos (piano, vioolonchelo, flauta travesera, trompeta,
clarinete).
67. LOS INSTRUMENTOS
 Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo estilo musical.
 Otros instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…
 Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que
compuso para él uno de sus más bellos conciertos.
8. LA DANZA CLÁSICA
 A finales del siglo XVIII se van a producir una serie de cambios muy importantes para la evolución de la danza. Uno de ellos fue el acceso de las mujeres a los ballets oficiales. De hecho, hasta ese momento sólo se permitía bailar a las mujeres en las fiestas cortesanas. En las representaciones teatrales y operísticas los papeles femeninos eran asumidos por hombres vestidos de mujer.
 Otro aspecto destacable fue que la danza se independizó de la ópera. A partir de entonces, el ballet puso en escena una historia concreta, con ayuda de música pero sin ayuda de cantantes que la explicasen. Nacerán así los bailarines profesionales, que dedicarán su vida al ballet. Es lo que ha llegado hasta nuestros
días como la Danza Clásica.
 Sin embargo, en los salones de la nobleza francesa, se seguirán realizando danzas de nobles, heredadas del periodo anterior. En este tipo de bailes la influencia francesa se hizo patente en toda Europa, por lo que todas esas danzas tendrán un carácter delicado, elegante y fino al estilo francés.

9. PRINCIPALES AUTORES CLÁSICOS
LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827 Alemania)
 Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de piano. Más 7tarde sufriría la pérdida de su madre. En Viena conoce a Mozart, que no se
entusiasma mucho con el joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente.
 Pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen. En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta el conocido como
Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.
 De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante como cabría esperar. Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de compositores y se proyecta hasta bien entrado el siglo XX.
FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809 Austria)
 Compositor austríaco. Junto a Mozart y Beethoven, es una de las figuras claves del Clasicismo, considerado creador de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas. De origen humilde, estudia música con un pariente y luego en Viena. Más tarde, recibirá clases de Porpora, a través del cual conoce la obra de Gluck.
 Sin embargo, su mejor amigo fue el joven prodigio Mozart, veinticuatro años menor que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a congeniar. Su talento maduró lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su música se caracteriza por su buen humor y picardía, aunque también ha creado
pasajes de gran profundidad. Su amplio catálogo abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.
WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791 Austria)
 Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con excelencia todos los géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la música de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo musical.
 Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas en Francia, Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades austríacas y alemanas.
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10. CUESTIONARIO
1. INTRODUCCIÓN

1) ¿Cuáles son los límites cronológicos (temporales) del Clasicismo?
2) ¿Qué hecho social destacará en la sociedad europea del siglo XVIII? Explícalo.
3) ¿Qué movimiento cultural surge en la Europa del siglo XVIII? Explícalo.
4) ¿Cómo influirá la burguesía en el mundo de la música?
5) ¿Qué caracteriza el arte clásico?
6) ¿Quiénes son los principales autores musicales de esta época?
2. LA MÚSICA RELIGIOSA
1) ¿Qué géneros musicales van a destacar en el Clasicismo?
2) ¿Qué es un Requiem?
3) ¿Qué historia surgió sobre Mozart y la composición de su Requiem?
3. LA ÓPERA SERIA
1) ¿ Cuándo y donde nace la ópera seria? Describe los cambios que se producen
durante el Clasicismo en la ópera seria.
2) ¿Por qué empezó a decaer la ópera seria en Francia?
3) A qué llamamos "La querella de los bufones".
4) Señala las principales diferencias entre la ópera seria francesa y la ópera bufa.
5) ¿Qué autores encabezaron estos diferentes grupos?
6) ¿Cuál fue la postura de Gluck en la disputa entre ópera seria y ópera bufa?
Explica los puntos que resumen su pensamiento.
4. LA ÓPERA BUFA
1) ¿Cuál fue el origen de la ópera bufa? Escribe el nombre y el autor de la ópera que se
tomó como modelo para impulsar este estilo.
2) ¿Cuáles son las principales características de la ópera bufa?
3) ¿Cómo se denominaban este tipo de óperas en Alemania y en Francia? Escribe el
nombre de dos óperas bufas de Mozart.
5. LA MÚSICA INSTRUMENTAL
91) Cuáles son las dos agrupaciones que van a dominar la música instrumental del
Clasicismo.
2) ¿Qué cambio provocará el auge de la burguesía en la música de cámara?
3) Describe los principales tipos de música de cámara ( para solista, trío, etc.)
4) ¿Cuál es el modelo de orquesta clásica?
5) ¿Quién fue Johann Stamitz?
6) Describe las principales innovaciones de Stamitz.
6. LAS FORMAS INSTRUMENTALES
1) Cuáles son las principales formas de la música instrumental del Clasicismo.
2) ¿Qué es una sonata? Describe su estructura.
3) ¿Qué es una sinfonía? Escribe quienes fueron sus principales impulsores.
4) ¿Qué es un concierto? Señala qué ventajas ofrecía esta forma a los
compositores.
5) ¿Qué instrumentos se utilizaban como solistas en los conciertos clásicos?
7. LOS INSTRUMENTOS
1) ¿ Qué instrumentos barrocos caerán en desuso durante el Clasicismo? Explica
porqué.
2) Busca informació sobre el clarinete
8. LA DANZA CLÁSICA
1) ¿Qué dos cambios principales se producan en la evolución de la danza
durante el siglo XVIII?
2) ¿Por qué al estilo francés dominará en los bailes de salón de la nobleza
europea?
9. PRINCIPALES AUTORES CLÁSICOS
1) Beethoven.
2) Haydn.
3) Mozart.
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10 11. AUDICIONES
ÉPOCA.
GÉNERO.
INSTRUMENTO.
FORMA.
TEXTURA.
AUTOR.



CLASICISMO Y ROMANTICISMO


 La música en el Clasicismo. (1750-1810)
El siglo XVIII es el siglo de la Ilustración, un movimiento cultural que creía en el papel
decisivo de la razón para la consecución de una sociedad más justa. Proponía como
ideales la educación, la libertad de expresión, la libertad política, la tolerancia religiosa
y la fe en el progreso científico.
Esta forma de pensamiento fue aceptada como propia por una clase social, la burguesía
y se convirtió en el factor ideológico que más contribuyó al estallido de la Revolución
Francesa (1789), que terminaría con el Antiguo Régimen abriendo el camino al mundo
moderno.
Se produce en lo artístico una vuelta a los ideales de la Antigüedad Clásica: equilibrio,
armonía, proporción, belleza, claridad.
La ascensión de la burguesía a amplios sectores de poder económico y político tuvo
importantes consecuencias para la música, destinada a esta nueva clase social, se
desarrolló una música que buscaba ante todo la perfección formal, la claridad.
Los músicos que se liberaron lentamente de sus aristocráticos patrones, encontraron en
la burguesía un nuevo público dispuesto a pagar por escuchar sus obras. Teatros y
orquestas públicas proliferaron por toda Europa, y la música dejó de ser el privilegio de
unos pocos.
 Se asistió a los primeros pasos de la popularización del arte en general y de la música
en particular: aumentó la impresión de música destinada a aficionados, se escribieron
las primeras historias de la música, las primeras biografías de músicos, comienza el
periodismo musical con las críticas de los conciertos, etc.
Se buscará una música universal y objetiva que no estuviera limitada por las fronteras
nacionales, una música noble y entretenida, que fuera expresiva pero dentro de unos
límites, contenida, natural, despojada de complicaciones técnicas, una música que
pudiera gustar de inmediato a cualquier oyente sensible, una música vitalista y alegre.
La música que mas se acerca a estos ideales se escribió entre 1750 –1810 y sus maestros
fueron Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y
Las primeras obras de Ludwig van Beethoven (1770-1827).
6.1.- Características de la Música Clásica.
- Melodía: En lugar de la técnica del desarrollo contínuo del Barroco, con melodías de
estructura irregulares, largas y muy ornamentadas, la melodía clásica se articula en
frases bien diferenciadas, con una estructura clara, son cortas, regulares y simétricas, es
decir divididas en partes con igual número de compases. Son melodías sencillas, fáciles
de apreciar y recordar, con una estructura muy clara y con escasos ornamentos.
-Ritmo: Frente al esquema rítmico repetitivo del Barroco, el ritmo clásico es regular,
sencillo, más natural y variado porque depende de las melodías. Con silencios
intercalados como descansos contrastantes entre las diferentes melodías.
-Desaparece el Bajo Continuo. Los instrumentos de viento se convierten en el cimiento
sonoro. La melodía destaca sobre un acompañamiento armónico realizado por los
instrumentos (sobre todo los de viento), en lugar del bajo continuo
15- Aumentan los contrastes: de melodías, de ritmos, de intensidades y de timbres. La
intensidad no depende como en el Barroco del número de instrumentos, se utilizan los
contrastes expresivos a base de fuerte y piano pero también surgen los cambios
graduales de intensidad. Hay mayor atención a los contrastes tímbricos, al sonido de
cada instrumento y su individualidad dentro de la orquesta.
- Aparecen nuevos instrumentos, el clarinete, y el piano. Desaparece progresivamente el
clave.
- Se desarrolla la orquesta sinfónica como una gran agrupación de instrumentos
compuesta por las cuatro secciones instrumentales: la sección de cuerda, que aumenta
en número en relación al Barroco, la sección de viento-madera con dos flautas, dos
oboes, dos clarinetes y dos fagot, la sección de viento-metal con dos trompas y dos
trompetas y la de percusión con dos timbales y otros instrumentos.
La orquesta se convertirá en uno de los medios de expresión más utilizados.
- Gran desarrollo de la música instrumental, que predomina sobre la vocal. Mayor
importancia de la música profana frente a la religiosa.
6.2.- Formas instrumentales.
Sonata clásica: La sonata clásica se convertirá en una de las formas más importantes
porque su estructura servirá de modelo para las demás formas instrumentales.
La sonata es una obra para pocos instrumentos uno o dos instrumentos, normalmente el
piano acompañado por el violín u otro instrumento. Se desarrolla normalmente en
cuatro movimientos contrastantes en velocidad y carácter: Allegro, Adagio, Minuet, y
Presto.
La manera estructurar u organizar el primer movimiento será la más utilizada por los
compositores del Clasicismo, y se conoce con el nombre de “forma sonata”.
El primer movimiento se estructura en tres partes denominadas: exposición, desarrollo y
reexposición.
- Exposición: El compositor presenta el material melódico sobre el que se basa
todo el movimiento. Normalmente son dos temas o dos grupos de temas que
suelen ser fácilmente comprensibles y recordables. El primer tema está en la
tonalidad principal de la obra suele ser más rítmico y enérgico, y el segundo
está en otra tonalidad y es más cantable y melódico, entre ambos suele haber un
enlace llamado puente. La exposición suele repetirse para que quede claro en el
oyente el material del que parte el compositor.
- Desarrollo: Es la parte más libre y creativa en la que el compositor maneja todo
el material expuesto elaborando todas las posibilidades musicales que ofrece.
- Reexposición: El compositor vuelve a exponer el material de la exposición,
presentándolo de modo ligeramente diferente. Finalmente se cierra el
movimiento con un breve fragmento conclusivo (coda).
El primer movimiento (y, ocasionalmente el segundo o el cuarto) de la mayor parte de
la música de cámara, sinfonías, conciertos, etc. se basan en esta forma.
16Sinfonía: La sinfonía será una de las formas más importantes de la música clásica, tuvo
su origen en la obertura de la ópera a la que se aplicó la estructura de la sonata. La
sinfonía es una forma instrumental para la orquesta sinfónica, organizada en cuatro
movimientos, Allegro, Adagio, Minuet y presto, los mismos que la sonata y que
presentan la misma estructura.
En la sinfonía no hay un instrumento protagonista como en el concierto sino que se
juega con todas las posibilidades expresivas de los instrumentos: los instrumentos de
cuerda tienen una posición de preeminencia y los de viento asumen un papel de
acompañamiento mostrando a su vez todas sus posibilidades melódicas y tímbricas.
Serenata: forma instrumental normalmente para ser tocada al aire libre, con un carácter
festivo y de entretenimiento por lo tanto más ligera que la sinfonía. Puede estar
compuesta para la orquesta sinfónica, para una orquesta sólo de cuerda, para
instrumentos de viento, o cualquier otra combinación. Puede tener los mismos
movimientos de la sonata con su misma estructura (sobre todo las de Mozart), aunque
también puede tener más de cuatro movimientos en el que se incluyen danzas diferentes.
Concierto clásico: Forma instrumental para la orquesta sinfónica y un instrumento
solista (normalmente el piano o el violín, y con menos frecuencia otro instrumento).
Tiene tres movimientos Allegro Adagio y Presto con la misma estructura de la sonata. A
diferencia del concierto barroco, la orquesta tiene un papel más importante.
Música de cámara: Se conoce como música de cámara a las formas instrumentales
para un número reducido de instrumentos, y se caracteriza en que cada uno de sus
componentes realiza una parte solística de alto nivel virtuosístico pero sin perder el
discurso general del grupo.
Según el número de instrumentos así se llaman: Dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto,
septimino, octeto, noneto y orquesta de cámara.
Serán el cuarteto de cuerda la agrupación más importante y la más utilizada por los
compositores por la homogeneidad de timbre y las posibilidades técnicas y expresivas.
Presentan los mismos cuatro movimientos que la sonata.
6.3. Formas vocales.
Ópera clásica: Durante el Clasicismo la ópera adquirió características que la hicieron
más cercana y asequible a los intereses del público: se buscó una mayor sencillez al
reducir el número de actos y personajes, se restringieron los adornos vocales que
abundaban en la ópera barroca, el recitativo seco será sustituido por el acompañado por
la orquesta, la orquesta tendrá un papel más importante, los coros tendrán una función
más dramática, aparecen nuevas formas vocales no sólo arias y recitativos como
diversos conjuntos vocales (dúos ,tríos etc,) canciones etc.
Los castratis serán sustituidos por voces naturales masculinas y femeninas.
Frente a la ópera seria basada en temas históricos y mitológicos cobrará una creciente
importancia la ópera cómica, con un argumento más sencillo en donde los personajes se
comportaban de una manera real y creíble con argumentos sacados de la vida cotidiana.
Música religiosa.
Aunque en la música del Clasicismo hay un predominio de la música instrumental y
profana sobre la vocal y religiosa, podemos decir que la música religiosa clásica
adoptará las características que en esta época se van a producir.
El Oratorio y la Pasión, creaciones típicas del barroco, decayeron notablemente pero la
misa conoció una nueva etapa al asimilar gran parte de las técnicas operísticas y
sinfónicas de este periodo.
La tendencia laica del siglo XVIII tuvo por efecto adecuar la música sacra al estilo de la
música profana, las mayorías de las Misas de Haydn y Mozart están escritas dentro del
lenguaje sinfónico-operístico de esta etapa, mezclado con el polifónico y todo ello
compuesto para coro, solistas que se alternan libremente con acompañamiento de la
orquesta sinfónica.

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