Barroco. (1600-1750)
El siglo XVII fue un periodo de crisis que afectó a toda Europa: crisis económica,
política, religiosa, social, agravada por periodos de hambruna, epidemias, etc., que se
mitigó a partir de la segunda mitad del XVII. Este periodo de crisis provocó la
necesidad de una fuerte autoridad tanto civil como religiosa. Se estabilizaron las
monarquías europeas, el rey será la cabeza visible de una sociedad altamente
jerarquizada, surgirán las monarquías absolutas rodeadas de gran pompa y lujo. El
poder se centrará en el rey, en la nobleza y en la iglesia.
El Barroco fue una época de florecimiento de las artes y las ciencias europeas,
podemos citar en el campo de la literatura a Lope de Vega, Cervantes, Moliere, etc., en
la pintura a Velázquez, Rubens, Rembrandt, etc., en las ciencias a Galileo Galilei,
Newton, etc.
Las artes se convertirán en vehículo de propaganda capaz de persuadir y conmover,
en un medio de expresión del poder. El lujo externo se entendía como una
manifestación de la autoridad. La música y los espectáculos serán uno de los medios
principales para la representación y propaganda del poder monárquico y religioso.
A lo largo del siglo XVII se crearon los primeros teatros y conciertos públicos de
pago, algo que ocurría por primera vez en la historia, y que se consolidó en el XVIII.
Hasta entonces para escuchar música había que acudir a una iglesia, o ser invitado por
algún noble o rico comerciante en su vivienda privada. Con el surgimiento de una gran
cantidad de aficionados deseosos de escuchar música, (la mayoría procedente de la
burguesía), surgió la necesidad de lugares a los que se accedía pagando una entrada:
teatros y salas de concierto.
Periodos de la música barroca.
La música barroca se distingue en tres periodos:
- - Primer barroco (1580-1630): Empieza a tener importancia la expresión a través de la música, con una interpretación muy violenta de las letras.
El Barroco temprano (1580-1630)
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las novedades principales:
- Se empieza a dar valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Se busca la disonacia. Las obras son todavía de poca extensión. Comienza la diferenciación entre
musica vocal e instrumental. - La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto general.
- La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento instrumental se escribía deforma taquigráfica como bajo continuo. La Camerata Florentina fue decisiva en la difusión de esta monodia acompañada, cuyo objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la ópera; por ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara: Vincenzo Galilei, padre del astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna. Sus nuevos géneros musicales recitativo, espressivo y representativo utilizaban además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (seconda prattica).
En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. Maestro del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera. En paralelo a ella se desarrolló el oratorio religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri.
- Barroco medio (1630-1680): Es la época de la ópera y la cantata.
El Barroco medio (1630-1680)
El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodia y del estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavali y Luigi Rossi, suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.
En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores como Legrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierten la vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico.
Es la época de la Ópera y la Cantata.
- Barroco tardío (1680-1730): Se produce una separación total de la música instrumental y de la música vocal.
El Barroco tardío (1680-1730)
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:
- Las formas adquieren dimensiones largas.
- Aparece el estilo Concerto, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo mecánico.
- La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta...
- La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo...
- La música instrumental domina a la vocal.
La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias (hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos, como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.
Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia,G.F. Händel en Inglaterra, J.S. Bach y G.P. Telemann en Alemania, J.P. Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.
La principal característica de la música barroca es la expresión de los sentimientos.
Un rasgo común a todos los compositores barrocos fue la necesidad de expresar y
representar ideas y sentimientos con la mayor realidad posible por medio de la música.
Para conseguirlo surgirán tres grandes medios:
a) El contraste.
b) La melodía acompañada y el bajo continuo.
c) El estilo concertato.
Características de la música barroca.
- La música barroca tendía a la búsqueda de los efectos sonoros, al adorno de las melodías y a la subordinación de unas voces a otras.
- En este período, empezó a diferenciarse la música vocal de la instrumental.
- El músico Barroco tenía pocos recursos económicos y por eso vivía bajo la protección de la Iglesia o de los ricos nobles
- Se utilizaba el bajo continuo, realizado por instrumentos graves, que sirve de apoyo a la melodía.
- Una de las innovaciones respecto al Renacimiento, era la composición de obras para más de un coro.
- La armonía era más variada.
- El ritmo era muy marcado y vibrante.
a) El contraste.
Utilizan como medio de expresión el contraste de tempo o velocidad, el contraste de
intensidad y el tímbrico.
Contrastan partes rápidas con partes lentas dentro de una misma obra, y para indicar los
diferentes tempos o velocidades surgirán diferentes términos como Grave o largo para
partes muy lentas, Adagio o Andante para partes lentas, Allegro para las rápidas y
Presto o Vivace para las muy rápidas.
Contrastan también partes fuertes con partes suaves, utilizando para ello un mayor o
menor número de instrumentos.
Contrastan los timbres, partes de cuerda contra el viento, o partes vocales con
instrumentales, etc. Que dará origen al estilo concertato.
b) Melodía acompañada y bajo continuo.
Ya desde fines del siglo XVI, se consideraba la expresión de los sentimientos como el
principal objetivo de la música y de la poesía. Ello implicaba una búsqueda de nuevos
medios de composición que pudiera dar a la música mayor poder expresivo: surge la
melodía acompañada basada en la supremacía de una voz o melodía sobre las demás. En
el Renacimiento la música polifónica suponía varias melodías que sonaban al mismo
tiempo, todas con la misma importancia, al comienzo del Barroco se consideraba que
con la polifonía no se podría expresar con claridad las emociones y los sentimientos de
un texto, sin embargo una única melodía principal que llevara el protagonismo de la
obra si podría conseguir la expresión de emociones y sentimientos.
La melodía principal está acompañada por el bajo continuo.
El bajo continuo es un método de acompañamiento propio de la música barroca, se
llama así a la melodía del bajo que se toca durante toda la pieza. La interpretación está a
cargo de un instrumento grave ( el violonchelo, el fagot, etc.), y un instrumento
polifónico (laúd, guitarra, clave, órgano, etc.) que improvisa los acordes de
acompañamiento.
El bajo continuo se empleaba para acompañar una o varias melodías principales, y a
veces eran varios instrumentos los que realizaban el bajo, y varios polifónicos, para dar
mayor realce o intensidad.
c) Estilo concertato.
El estilo concertato se basa en el contraste entre una voz o instrumento y otro, o de un
grupo contra otro, o de un grupo contra un solista. Este principio de oposición o
contraste entre masas sonoras diferentes posibilitó la aparición de las grandes formas
barrocas como el concierto.
Otras características de la música barroca:
- La melodía: la melodía barroca son frecuentemente largas y fluidas, se busca el
virtuosismo, el lucimiento, es decir son melodías muy ornamentadas.
- El ritmo: Aparece un ritmo muy marcado, con una pulsación regular. Un ritmo
mecánico con patrones rítmicos repetitivos. Al mismo tiempo también se utiliza un
ritmo libre para la declamación del texto (en los recitativos).
Se generaliza la escritura en compases que será común a partir de 1650.
- La melodía acompañada como principal recurso de composición, pero la polifonía no
dejó de utilizarse tanto la más simple (homofónica) como la más compleja (imitativa o
contrapuntística), aunque con el bajo continuo.
- Surge la orquesta como un grupo de instrumentos organizados por secciones o
familias, en la que la sección de la cuerda (violín, viola, violonchelo y contrabajo) se
convertirá en la base misma de la orquesta, en torno a ella se añadirán: flautas, oboes
fagot, ocasionalmente trompetas, trombones y timbales. Además de la presencia del
clave para la realización del continuo.
El policoralismo: el uso de múltiples voces y coros dentro de la misma obra sobre todo
en la música religiosa.
- Gran desarrollo de la música instrumental que se iguala en importancia a la música
vocal. El gran impulso dado a la música instrumental fue debido sobre todo al gran
desarrollo técnico de los instrumentos, sobre todo del violín que se convierte en
protagonista de la orquesta por su agilidad, su volumen y posibilidades técnicas.
Otros instrumentos también mejoraron como las flautas, el oboe, el clave que será uno
de los instrumentos más populares, utilizado como solista, además era uno de los
instrumentos fundamentales en la interpretación del bajo continuo. Otro de los
instrumentos que alcanzaron un gran desarrollo fue el órgano, instrumento fundamental
en la música religiosa, tanto como solista como para el bajo continuo.
Formas musicales barrocas.
La Música instrumental en el Barroco
La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica de los instrumentos, el nacimiento de la ópera y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de música, surgiendo la figura del virtuoso. Los compositores van a lograr en sus obras la máxima expresividad.
Podemos distinguir tres maneras de interpretar la música instrumental dependiendo del número de instrumentos que intervengan:
de instrumentos que intervengan:- MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los compositores empezaron a escribir pensando específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad musical. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín, el clave… con obras como la fuga o la suite entre otras.
- MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso, cada parte musical es interpretada por un solo instrumentista (en contraposición a la orquestal). Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la nobleza.
- MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias y de las posibilidades del momento. A partir del siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura cuántos y cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos en su obra Orfeo.
Es en Venecia, y en otras ciudades de Italia como Bolonia y Roma donde la música instrumental sufre una fuerte evolución. Durante la primera mitad el S. XVII siguen formas de la etapa anterior, que podemos resumir así: piezas en contrapunto imitativo como el ricercare y fantasía ; del tipo de la canzona, constituidas por una sucesión de secciones contrastantes, como la sonata; las realizadas a partir de un bajo dado, como la chacona, etc ; en estilo improvisatorio, como la tocata o elpreludio; finalmente, piezas que partes de las danzas o bailes. Tener en cuenta que ahora todas estas piezas cambian de carácter con el empleo de las nuevas técnicas de la época.
de la canzona, constituidas por una sucesión de secciones contrastantes, como la sonata; las realizadas a partir de un bajo dado, como la chacona, etc ; en estilo improvisatorio, como la tocata o elpreludio; finalmente, piezas que partes de las danzas o bailes. Tener en cuenta que ahora todas estas piezas cambian de carácter con el empleo de las nuevas técnicas de la época.
Pasados estos años iniciales del S. XVII, siguieron las grandes formas instrumentales de más trascendencia; especialmente la suite, la sonata y el concierto sin olvidar otras como la obertura o la fuga.
1.- Formas vocales:
a) Profanas:
Ópera:
La ópera es un drama musical en el que a diferencia del teatro, la música
participa de forma esencial en el desarrollo argumental y en la descripción de estados
anímicos y sentimientos.
Es una de las formas más importantes del barroco, en la que se verán reflejadas las
principales características de la música de este periodo y que influirá tanto en la música
instrumental como en la vocal ya sea profana o religiosa.
Podemos definir a la ópera como una forma vocal-instrumental en la que hay partes
solísticas (recitativos, arias, etc.), coros, y acompañamiento orquestal. La ópera está
dividida en actos 3-5, estos se dividen en escenas y cada escena tiene su forma musical,
(arias, recitativos, coros, etc.). Las formas más importantes son los recitativos y las
arias.
- La obertura
Las primeras oberturas no eran otra cosa que fanfarrias para llamar la atención y tenían nombres tan variados como tocata o sinfonía. Es a finales del S. XVII cuando esta pieza instrumental tomo forma
definitiva en dos variantes:
Obertura francesa. Inventada por Lully. Consiste en dos movimientos: el primero lento, pomposo, con el característico ritmo de negra con puntillo y corchea; y un segundo movimiento veloz, es estilo imitativo, que puede terminar en un corto tiempo lento.
Obertura napolitana. Introducida por Scarlatti en su obra Dal male i bene y consta de tres secciones: allegro (en estilo contrapuntístico), adagio y allegro (influido por la danza).
La obertura evolucionará en el clasicismo hacia la sinfonía.
- Recitativo: es una forma vocal-instrumental que sirve para que la acción transcurra rápidamente. Se podría definir como una mezcla entre canto y habla y se distinguen dos tipos: el recitativo seco acompañado por acordes del clave con ritmo libre, y el recitativo acompañado por la orquesta con ritmo medido.
- Aria: es una forma vocal-instrumental para uno o dos solistas, que tiene dos funcionesbásicas, por un lado la expresión de los sentimientos más íntimos de los personajesprincipales, por otro mostrar la capacidad vocal del cantante. Es la parte más melódica ylírica de la ópera, y con ella la acción dramática se detiene, es decir no hay accióndurante la interpretación del aria.
- Coro: pieza polifónica interpretada por un grupo de cantantes.La ópera comienza con una pieza orquestal llamada obertura que inicia el espectáculo,luego se suceden las principales formas musicales en su mayoría recitativos y arias, laópera suele acabar con la intervención de todos los cantantes tanto los coros como lossolistas acompañados de la orquesta.
- Interludio:Partes instrumentales que se intercalan entre los fragmentos anteriores-
b)Formas religiosas:
Oratorio:
Es una composición vocal- instrumental en la que hay solos (arias y
recitativos), coros y orquesta. El Oratorio cuenta una historia basada en textos bíblicos o
religiosos pero sin escenografía ni acción, por ello necesita la presencia de un narrador
que por medio de recitativos narra la historia y conforme nombra a los personajes de la
misma éstos intervienen cantando solos, en forma de arias o recitativos, o cantando en
grupo para los coros.
Se distingue de la ópera por los siguientes aspectos:
- Se basa en un tema religioso.
- La presencia de narrador.
- El mayor uso de los coros con fines narrativos y meditativos.
- Por el hecho de que no estaba destinado a la representación.
Pasión: Es una composición vocal- instrumental en la que hay solos, coros y orquesta.
Está basada en los relatos del evangelio acerca de la pasión y muerte de cristo. Al igual
que el oratorio emplea recitativos, arias, coros y piezas instrumentales. En la Pasión el
narrador es un personaje concreto, el evangelista.
Será una de las principales formas de la música protestante.
Cantata: La cantata tiene un origen profano, pero será inmediatamente aceptada por la
iglesia. Es una forma musical en la que se incluyen solos, coros y orquesta. No cuenta
ninguna historia a diferencia del Oratorio o la Pasión. Es una forma más breve y se solía
interpretar detrás de las lecturas religiosas durante la Misa.
c).- Formas instrumentales.
c.1) Pequeñas formas instrumentales .
- La fuga.
Es una composición polifónica que tiene su origen en el ricercari, que era la adaptación a instrumentos del motete durante el Renacimiento. Normalmente es una obra para instrumentos de tecla, (aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para conjuntos tanto instrumentales como vocales).
La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación. La fuga es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto , acompañado de otros temas secundarios.
El sujeto o tema principal se presenta por primera vez en una sola voz, luego va siendo interpretado por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la fuga el tema reaparece constantemente, junto con los tema secundarios, al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común.
Será una de las formas más importantes para teclado, tanto para órgano como para clave. Es una forma simple, es decir escrita en un solo movimiento y de textura contrapuntística basada en el uso de la imitación. El tema principal llamado “sujeto” va alternando con temas secundarios o “contrasujetos” y con partes de imitación más libres llamadas “episodios”.
El estilo compositivo de la fuga se trasladará con frecuencia a la música vocal y a secciones instrumentales de obras mayores, dando lugar al llamado estilo fugado.
El gran maestro de la fuga es el compositor alemán J. S. Bach.
- La suite
Es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter, con la contraposición típica del estilo barroco. Todas las danzas están escritas en la misma tonalidad y suelen responder a formas binarias. Su origen está en la sucesión de danzas contrapuestas del renacimiento. En esta época las danzas se agrupaban en parejas de baile de distinto ritmo y carácter. El número y la disposición de las danzas en la suite barroca puede ser muy variable. La estructura más habitual es la siguiente:
- Allemanda: ritmo binario, 4/4, tempo lento o moderarato
- Courante: ritmo ternario, 3/4 o 3/8, tempo rápido
- Zarabanda: ritmo ternario, 3/4, tempo lento
- Giga:ritmo ternario compuesto, 6/8, tempo rápido
Puede estar escrita para un instrumento solista (generalmente para clave) o para orquesta. Entre 1690 y 1740 surge en Alemania la suite orquestal. El número de danzas de que consta puede ser muy variable; por eso, a la suite se la ha denominado “forma abierta”. Bach lleva a esta forma a la máxima perfección. En general, como forma orquestal es muy común que tenga estas características:
- Comienza con un preludio de introducción u obertura.
- Siguen un número variable de danzas.
- Algunas se escriben en pares, así bourré y bourré II.I
- Las danzas más habituales (también para orquesta) son las indicadas con anterioridad : allemanda, courrante, zarabanda y giga.
- La base de la suite instrumental barroca está en la música de danzas del Renacimiento que se agrupaban normalmente en pares (rápidas, lentas).
- Ritmos contrastados, que han perdido su carácter bailable. El número y tipo de danzas es variable aunque hay algunas que aparecen con más frecuencia.
- La suite puede ser para un instrumento solista(generalmente para clave), para un conjunto reducido de instrumentos o para la orquesta.
- La sonata
Sonata significa “música para ser sonada” . Como otras muchas formas barrocas se origina de esa realidad estética que determina la música barroca : la contraposición de movimientos, o el principio de contraste, usado sobre todo en la danza, donde se suelen suceder una serie de danzas contrapuestas.
Pero llega un momento en que estas danzas ya no se bailan, sólo se tocan ; y en ese momento nace la sonata, que aparece en pleno Barroco con un esquema prototípico en cuatro movimientos que, tal como los ordena Arcangelo Corelli suelen ser:
- Grave
- Allegro en estilo fugado
- Moderato
- Vivo, en estilo fugado, u homofónico.
Estos movimientos procedían de la sucesión de danzas del tipo de allemanda(lento), corrente (allegro), zarabanda (lento), giga (allegro). Pero existen otros elementos definidores, como son el contraste de movimientos y texturas, es decir, la sucesión de textura contrapuntística y homofónica; todo con bajo continuo.
- Es una composición instrumental para un grupo reducido de instrumentos con bajo continuo y que consta de varios movimientos contrastantes, frecuentemente cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido). La sonata puede ser compuesta para un instrumento solista normalmente el clave, si es para otro instrumento que actúe como solista (flauta, oboe, violín), aparece acompañado por el bajo continuo, y para dos instrumentos agudos y el bajo continuo que sería la agrupación más frecuente.
Dentro de la sonata se distinguieron dos tipos :
a) la sonata da chiesa : que nunca lleva en sus movimientos nombre de danza (están relacionados con los tempi) y cuyo continuo lo suele hacer un órgano
b) la sonata di cámara : que sí lleva títulos danzas y cuyo continuo lo hace un clave.
Estos dos tipos no son dos formas distintas, más bien los nombres hacen alusión a los lugares de interpretación: la iglesia y la sala.
Entre los creadores de la sonata barroca hay que destacar a Arcangelo Corelli(1653 – 1713) , gran violinista y compositor que estudia durante cuatro años en la escuela de Bolonia , estableciéndose posteriormente en Roma donde vive desde1671. Aquí compone sus célebres doce Sonate da chiesa Op. 1 ; sus once Trío-sonate da camara op. 2; la op. 3 y doce Sonate per violino Op. 5. Entre sus discípulos más destacados mencionar a Giuseppe Torelli (1658-1709), Tommaso Albinoni (1671-1750). Cabe mencionar también a Guiseppe Tartini (1692-1770), quien escribió la sonata para violín en sol menor subtitulada “El trino del diablo”.
Audición: Trío en Sol Mayor RV 103, A. Vivaldi
La sonata bipartita de finales del barroco.
La sonata barroca tiene una nueva línea de evolución al final del Barroco con las obras de un gran músico, Alessandro Scarlatti (1660-1725) y su hijo Doménico Scarlatti a través de un instrumento: el clavicémbalo. En realidad su aportación consistió en pasar la sonata la sonata de violín al clave. Esta sonata también se llamamonopartita, porque en realidad consta de un solo movimiento dividido en dos secciones A y B, o sea, binaria, que se repiten y en las que en la primera se llega de la tónica a la dominante, y en la segunda de ésta a la tónica. El esquema representativo podría ser:
A B
I V V I
Audición: Sonata para clave en Do Mayor, K 461, Domenico Scarlatti
b) Formas mayores para orquesta.- El concierto.
e intensidades, el estilo concertato en la confrontación del conjunto de instrumentos de
la orquesta con el solista o los solistas.
El concierto es una forma para un instrumento solista o varios instrumentos solistas y la
orquesta, el solista es el protagonista de la obra y tiene que mostrar tanto la capacidad
técnica del instrumento como su capacidad expresiva.
Durante las dos últimas décadas del S. XVII aparece una nueva forma instrumental, que se convierte en la más importante del Barroco. Su nombre viene de la palabraconcertare, es decir, “tocar varios instrumentos al mismo tiempo” y es el concierto.En él se dan los principios de la música barroca:
- La lucha entre el bajo continuo y una voz florida encima.
- La organización de la música en el sistema tonal mayor/menor.
- Construcción en movimientos separados, autónomos y contrastados.
- El contraste colorístico entre diversos grupos tímbricos.
Podemos definir el concierto diciendo que se trata de una forma orquestal que sueleconstar de tres movimientos contrapuestos, usualmente con este esquema :
Allegro / lento / allegro.En el primer movimiento así como en el tercero, es la orquesta quien comienza con su tema, dejando paso posteriormente al solista o los solistas, a partir de ahí se inicia un diálogo entre ambos:orquesta-solista.
En el segundo es el solista o los solistas los protagonistas del movimiento, aunque también pueda ser estructurado como el primero y el tercero.
En el segundo es el solista o los solistas los protagonistas del movimiento, aunque también pueda ser estructurado como el primero y el tercero.
En el Barroco hay que distinguir dos tipos de conciertos:
a) El concierto grosso: para un grupo de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti) que van contrastando alternándose en la interpretación de partes nuevas y fijas llamadas ritornello (retornar quiere decir “volver” que es la música que toca el tutti y que se repite varias veces).
Los compositores más destacados son Arcangelo Corelli (1653-1713), Georg Friedric Haendel y Johann Sebastián Bach.
b) El concierto solista: compuesto para un solo instrumento que contrasta en constante diálogo con la orquesta.
El compositor más estacado es Antonio Vivaldi (1678-1741) al que se le atribuyen más de 300 conciertos para solista, la mayoría para violín aunque también para fagot, violonchelo y flauta.
Audición: Movimiento lento del Concierto para Oboe en Re menor, Alessandro Marcello
Oboe en Re menor, Alessandro Marcello
COMPOSITORES
Función social de la música y el músico.
La música estará al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la iglesia la utilizarán como una manifestación más de su poder.
Los grandes efectos musicales tendrán una función propagandística. Las intensidades y sensacionalismos barrocos destruyeron la tradición más refinada del Renacimiento. La magnificencia y grandiosidad del arte musical provienen, en parte de la música ceremonial veneciana. El deleite de los fuertes contrastes de color y dinámica parece haber sido exigido en las celebraciones seculares antes de que los músicos de la iglesia lo explotaran. Se produce una especie de proceso de secularización dentro de la iglesia, surge el “barroco colosal” . Esta grandiosidad hizo que la liturgia evolucionara hasta convertirse en una “forma musical”, más que una expresión de devoción religiosa.
de la música ceremonial veneciana. El deleite de los fuertes contrastes de color y dinámica parece haber sido exigido en las celebraciones seculares antes de que los músicos de la iglesia lo explotaran. Se produce una especie de proceso de secularización dentro de la iglesia, surge el “barroco colosal” . Esta grandiosidad hizo que la liturgia evolucionara hasta convertirse en una “forma musical”, más que una expresión de devoción religiosa.
La ópera en la corte debía manifestar la grandeza de la autoridad que la costeaba.
El papel del músico se reduce al de un sirviente de su protector. Los compositores escribían por encargo, y en su mayor parte fue una música ocasional , que escribían lo que se precisaba en cada momento (y luego la mayor parte de las veces, o siempre se olvidaban).
Con la construcción de los primeros teatros de ópera, el músico trabaja para el teatro a contrato, es un “proveedor”. El compositor, expropiado de su propio producto, paga entonces con una fuerte pérdida de prestigio social y artístico el paso hacia formas de producción más modernas como las del teatro de ópera empresarial.
, es un “proveedor”. El compositor, expropiado de su propio producto, paga entonces con una fuerte pérdida de prestigio social y artístico el paso hacia formas de producción más modernas como las del teatro de ópera empresarial.
Para una descripción más clara, se clasificarán los más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana, francesa, inglesa o alemana.
ITALIAUna de las naciones más importantes en el barroco, tanto en el arte como en la música. Los compositores más importantes de la época fueron:
Claudio Monteverdi (1567 - 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. Su obra L'Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística.
También compuso otras óperas (Arianna, 1608; La Coronación de Popea; 1641, etc.), salmos, motetes y madrigales.
Tomaso Albinoni (1671 - 1750): Violinista y compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Bach utilizó algunos de sus temas.
Arcangelo Corelli (1653 - 1713): Compositor y violinista. Principal representante del Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara (1681 - 1700) y una de concerti grossi (1714).
Francesco Geminiani (1687 - 1762): Violinista y compositor italiano. Autor de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín, 1731). Vivió y enseñó
muchos años en Dublín y Londres.
Domenico Scarlatti (1685 - 1757): Organista, clavecinista y compositor.
Compuso más de quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas. Sobresalió por su virtuosismo en el teclado.
Alessandro Stradella (1642 - 1682): Compositor y cantante, uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. Contribuyó a la evolución del aria, el oratorio y la cantata. San Juan Bautista (1675, oratorio), Doriclea
(1677, ópera).
Antonio Vivaldi (1678 - 1741): Compositor y violinista, de la escuela barroca veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio, y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto con Corelli, fuel el más importante representante del concerto grosso. Verdadero creador del concierto para solista. Intérprete virtuoso (considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un personaje anticipado del Romanticismo. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725).
Definitivamente es mi compositor favorito.
Claudio Monteverdi (1567 - 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. Su obra L'Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística.
También compuso otras óperas (Arianna, 1608; La Coronación de Popea; 1641, etc.), salmos, motetes y madrigales.
Tomaso Albinoni (1671 - 1750): Violinista y compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Bach utilizó algunos de sus temas.
Arcangelo Corelli (1653 - 1713): Compositor y violinista. Principal representante del Concerto Grosso. Compuso cinco colecciones de sonatas para
iglesia y cámara (1681 - 1700) y una de concerti grossi (1714).Francesco Geminiani (1687 - 1762): Violinista y compositor italiano. Autor de sonatas para
violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín, 1731). Vivió y enseñómuchos años en Dublín y Londres.
Domenico Scarlatti (1685 - 1757): Organista, clavecinista y compositor.
Compuso más de quinientas sonatas para
clave, óperas y cantatas. Sobresalió por su virtuosismo en el teclado.Alessandro Stradella (1642 - 1682): Compositor y cantante, uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. Contribuyó a la evolución del aria, el oratorio y la cantata. San Juan Bautista (1675, oratorio), Doriclea
(1677, ópera).
Antonio Vivaldi (1678 - 1741): Compositor y violinista, de la escuela barroca veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio, y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. Junto con Corelli, fuel el más importante representante del concerto grosso. Verdadero creador del concierto para
solista. Intérprete virtuoso (considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un personaje anticipado del Romanticismo. Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas 75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725).Definitivamente es mi compositor favorito.
FRANCIA
François Couperin (1668 - 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Fue llamado Couperin el Grande. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín, 1716) y
de numerosas composiciones (obras para clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).
Jean-Baptiste Lully (1632 -1687): Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos.
Jean-Philipp Rameau (1683 - 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para clave, debutó en el género operístico en plena madurez, con Hipóclito y Aricia (1733); del resto
de su producción, caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737).
Intervino en la "querella de los bufones", a favor de la tradición, y dejó escrita una importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales, 1722)
François Couperin (1668 - 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes clavecinistas de la historia. Fue llamado Couperin el Grande. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín, 1716) y
de numerosas composiciones (obras para
clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).Jean-Baptiste Lully (1632 -1687): Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673), Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos.
Jean-Philipp Rameau (1683 - 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica. Conocido organista y autor de piezas para
clave, debutó en el género operístico en plena madurez, con Hipóclito y Aricia (1733); del restode su producción, caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737).
Intervino en la "querella de los bufones", a favor
de la tradición, y dejó escrita una importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales, 1722)
INGLATERRA
Henry Purcell (1659 - 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística, aunque dando más realce en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador de la ópera
inglesa con su Didos y Eneas (1690), también escribió cantatas, odas, sonatas, y suites instrumentales.
Henry Purcell (1659 - 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística, aunque dando más realce en sus obras a la melodía. Considerado como el iniciador de la ópera
inglesa con su Didos y Eneas (1690), también escribió cantatas, odas, sonatas, y suites instrumentales.
ALEMANIA
Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach, GF Haendel y GP Telemann.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750): Organista y compositor. El más célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). Fue músico de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador,
elevó la fuga a su máxima expresión, extrayendo de. ella todas las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales: El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga.. Personalmente, es uno de mis compositores favoritos.
Georg Friederich Haendel (1685 - 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre los italianos o los ingleses. En su vasta producción
sobresalen óperas (Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los oratorios, más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742; Judas Macabeo, 1745).
Johann Pachelbel (1653 - 1706): Compositor y organista alemán. Fue considerado el precursor de Bach. Su obra, ecléctica y exenta de artificios, comprende cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante fue
Divertimento Musical (1691).
Georg Philipp Telemann (1681 - 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo
armónico. Dejó una extensa producción, tanto de música religiosa como profana.
Sylvius Leopold Weiss (1686 - 1750): Fue el principal compositor para laúd de la escuela del Barroco Tardío. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas.
Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach, GF Haendel y GP Telemann.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750): Organista y compositor. El más célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). Fue músico de la corte, organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Gran renovador,
elevó la fuga a su máxima expresión, extrayendo de. ella todas las posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas, partitas, corales: El Clave bien Temperado, los Conciertos de Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san Mateo, el Arte de la Fuga.. Personalmente, es uno de mis compositores favoritos.
Georg Friederich Haendel (1685 - 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre los italianos o los ingleses. En su vasta producción
sobresalen óperas (Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre todo, los oratorios, más dramáticos que religiosos (El Mesías, 1742; Judas Macabeo, 1745).
Johann Pachelbel (1653 - 1706): Compositor y organista alemán. Fue considerado el precursor de Bach. Su obra, ecléctica y exenta de artificios, comprende cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante fue
Divertimento Musical (1691).
Georg Philipp Telemann (1681 - 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó elementos alemanes, italianos y franceses, representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo
armónico. Dejó una extensa producción, tanto de música religiosa como profana.
Sylvius Leopold Weiss (1686 - 1750): Fue el principal compositor para
laúd de la escuela del Barroco Tardío. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas.Obras destacadas del Barroco
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Obras destacadas del Barroco Año Obra Compositor 1607 Orfeo (ópera) Claudio Monteverdi 1635 Fiori musicali Girolamo Frescobaldi 16-- Daniele Giacomo Carissimi 1640 Selva morale e spirituale Claudio Monteverdi 1629-44 Symphoniae Sacrae Heinrich Schütz 1666 Pasión según san Mateo Heinrich Schütz 1685 Roland Jean-Baptiste Lully 1689 Dido y Eneas Henry Purcell 1699 Hexacordum apollinis Johann Pachelbel 1700 Sonatas para violín y bajo continuo op. 5Arcangelo Corelli 1680 c. Canón Johann Pachelbel 1717 Música acuática Georg Friedrich Händel 1720 8 grandes suites Georg Friedrich Händel 1722 Conciertos de Brandenburgo Johann Sebastian Bach 1722-44 El clave bien temperado Johann Sebastian Bach 1724 Giulio Cesare Georg Friedrich Händel 1725 Las cuatro estaciones Antonio Vivaldi 1727 Pasión según San Mateo Johann Sebastian Bach 1706-28 3 libros de suites Jean-Philippe Rameau 1713-30 4 libros de órdenes François Couperin 1733 Música para la mesaGeorg Philipp Telemann 1742 El Mesías Georg Friedrich Händel 1749 Música para los reales fuegos de artificio Georg Friedrich Händel 1749-50 El arte de la fuga Johann Sebastian Bach 1762 El juicio final Georg Philipp Telemann
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Examen
- ¿Qué fechas marcan el comienzo del periodo barroco?
- ¿De dónde viene dicho término?
- Cita al menos 5 compositores de este periodo.
- Cita al menos 2 obras de cada uno de estos compositores.
- ¿Qué generos musicales son los más importantes en el barroco?
Como ejercicio final, escribe un pequeño texto donde compares la música del barroco con las artes plásticas de este mismo periodo.
Barrocoorquesta barroca Test barroco
Test compositores BARROCO
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